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Stiftung Fide

Engagement für Kunst

Ausstellungen

Die Beziehung zur Kunst entstand aus dem Wunsch, die Verbindungen zwischen Kunst, Fide und ihrer Umwelt, basierend auf der Überzeugung, dass die Wissensgesellschaft und damit die Wiederbelebung der Kultur heute grundlegend sind. Als Antwort auf die kulturellen Anliegen der Mitglieder von Fide, entwickeln wir Aktivitäten in Bezug auf Literatur, Musik und andere humanistische Bereiche.

Im Laufe des Jahres die Mauern von Fide Sie sind mit Werken verschiedener Künstler bedeckt.
Hier finden Sie die Künstler, die bisher ausgestellt haben:

Publikationen

Eine Kunst, die nicht auf Gefühl basiert, ist keine Kunst

Paul Cézanne
Arte

Der Cambridge-Brief von Samir Delgado

Dieses Buch ermutigt uns, die Menschheit mit der Ästhetik der Liebe zu betrachten. Es ist eine Hymne auf das Wort als ein Instrument der Verwandlung. Wir wissen, dass es Worte gibt, die uns erlauben, wieder zu leben.

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28 September, 2021

Virtuelle Ausstellungen

Kunst verändert nichts, Kunst verändert dich

David Lynch

La Mirada

Maribel Gilsanz Otero Virtuelle Ausstellung
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Postmoderne oder Erhabenheit

Ana Vivas Virtuelle Ausstellung
Besuchen

Physikalische Expositionen

Das Ziel der Kunst ist es, den Staub aus dem täglichen Leben unserer Seelen zu entfernen

Pablo Picasso

REFLEXES (Wohltätigkeitsausstellung)

Christopher Muttukumaru

Fide, Januar 2020 - April 2020

Christopher Muttukumaru, ist Mitglied des Akademischen Rates von Fide (mit Sitz in London). Christopher ist CB, DL und Rechtsanwalt. Berater bei Eversheds Sutherland (International) LLP. Von 2014 bis 2018 war er Mitglied von Monckton Chambers at Gray's Inn in London. Er war Mitglied des Generalrats des britischen Verkehrsministeriums, wo er zwischen 2001 und 2013 als Chief Legal Counsel für acht aufeinanderfolgende Außenminister für Verkehr tätig war XNUMX. Der Generalrat war auch Mitglied des DfT-Exekutivrats.
Die Fotografie ist eines von Christophers großen Hobbys und bei dieser Gelegenheit gibt er uns die Gelegenheit, eine kleine Sammlung seiner Fotografien auszustellen, die er „Reflections“ genannt hat.
Die Bilder sind hauptsächlich Landschaften aus den Ländern, mit denen er eng verbunden war, Australien, Großbritannien, Frankreich, den Niederlanden und natürlich Spanien. Ein ständiges Thema seiner Fotografie ist es, die Welt reflektiert zu sehen.
Christopher spendet alle Mittel aus dem Verkauf dieser Fotos an die *Balia-Stiftung*.
(*) Stiftung, die seit 2001 die Kinderarmut in Spanien durch Bildung bekämpft. ((www.baliafoundation.org )

"Ein Teleskop begrüßt eine Lupe"

César Barrio

Fide, November 2019 – Januar 2020. 

"Es war notwendig, die Dicke des Lichts zu bohren, um zu sehen."
 Jose Angel Valente
 
„Meine Art zu malen ist total archäologisch. Als würde man in den Sternen graben. 
Es ist merkwürdig, dass je mehr Sie in die Materie hinabsteigen, desto größer wird das Ausmaß der 
Vision, als würde man einen Tunnel öffnen oder eine Höhle betreten, die Bilder, die bei Ihnen bleiben 
In den Händen haben sie eine formale Ähnlichkeit mit den Fotos, die uns von Satelliten geschickt wurden.
Je mehr Gewicht oder Dichte Sie dem Objekt hinzufügen, desto mehr Leichtigkeit erzeugen Sie darin. Weit und nah 
Sie werden verwirrt, wenn selbstbewusste Materie ihre Brillanz verliert. " 
César Barrio
 
César Barrio (Oviedo 1971) ist ein Künstler in der Mitte seiner Karriere mit internationaler Projektion. Seine Arbeiten befinden sich unter anderem in Sammlungen verschiedener Universitäten und Stiftungen sowie in Privatsammlungen in Spanien, Portugal, Frankreich, Italien, Österreich, Brasilien, Mexiko und Peru. Er hat individuell in Städten wie Salzburg, Lissabon, Madrid, Santander, Oviedo und Pamplona ausgestellt. Nach seinem Abschluss in Architektur unterrichtet er Kurse und Konferenzen als Gastprofessor an Architekturschulen. Er arbeitet regelmäßig als Künstler in Architekturstudios und in heterogenen Projekten mit Schriftstellern, Musikern und Modedesignern zusammen.

Kuratorin: Elena Rodríguez Mayol

Von innen: Iranische Gesellschaft, eine andere Vision und Mission.

Javad Tafti Farashah.

Fide, September-Oktober 2019

Geboren 1977 in Karaj, Iran.
Bildender und szenischer Künstler. In verschiedenen Perioden beschäftigte er sich mit Bühnenschauspiel, Fotografie und seit 2015 mit Dokumentarfilmen und Kurzfilmen.
Er macht mehrere Interventionen und zeichnet sich durch Regie und Schnitt sowie durch die Produktion von Dokumentationen und Kurzfilmen aus. Seine jüngsten herausragendsten Arbeiten drehen sich um Bauprojekte, Dämme und Komplexe, die in den letzten Jahren im Iran durchgeführt wurden.
Seit 2011 besucht er verschiedene Orte der iranischen Geographie und stellt in verschiedenen nationalen Galerien seines Fachgebiets seine fotografischen Arbeiten über das tägliche Leben der iranischen Gesellschaft sowie die Landschaften, die ihn umgeben und in denen er sitzt, aus. So führt er eine visuelle Forschungsarbeit zu den symbolischen Aspekten der Gesellschaft durch, zu der er gehört, und öffnet seine Arbeit für die Interkulturalität.
Die fotografische Retrospektive zeigt iranische soziale Nachrichten, begleitet von der natürlichen und monumentalen persischen Landschaft von großer Schönheit.
Visualisieren Sie die tägliche Erfahrung von Menschen, insbesondere von Kindern (die Zukunft), die lokale Kultur (visualisiert in den gegenwärtigen einzigartigen Handwerken, der Gegenwart) und integrieren Sie sie in eine Umgebung, in der monumentale Räume noch gültig sind (die Vergangenheit), und ermöglichen Sie die Integration der groß und klein, der Singular mit dem Besonderen, der es ermöglicht, diese persische Singularität von innen heraus anzubieten.
Das Hauptziel dieser Ausstellung bietet durch eine streng soziale Vision die enge, persönliche Nachlässigkeit und ohne bestimmte Erwartungen die Möglichkeit, das Stereotyp der politisierten sozialen Radikalität der iranischen Gesellschaft zu ändern und dieses Paradigma zu ändern, wenn ein Land von innen visualisiert wird aus der Sicht des "Anderen" (des Beobachteten).

„Manchmal ist das Lächeln eines Kindes so süß, dass man diesen Moment für nichts in der Welt eintauschen möchte. Dies ist die Aufzeichnung der Fotos, die vor einem Jahr aufgenommen wurden. Fotografie ist nicht nur eine visuelle Aufzeichnung von Menschen, sie ist verewigtes menschliches Leben, das uns Qualitäten von Glück, Traurigkeit, Hoffnung und Emotionen aller Art bringt. Es besteht eine direkte Verbindung zur Seele des Fotografen. Der Wert dieses Berufes ist nicht nur ein quantitativer und qualitativer Wert, er ist viel mehr, denn Menschen, Manager von Institutionen und Organisationen, sowie ihr menschliches Potenzial, unterstützen Projekte, die ein soziales Umfeld gesehen haben, sehen und sehen werden, das atmet Wohlergehen der Menschen, in einem Anspruch auf kosmische Gerechtigkeit, der den unendlich kleinen Teil jedes Universums erreicht.“

Japanisch

Gloria Esbert.

Fide, April – September 2019

Sie studierte Schmuck und Modeschmuck an der Kunstgewerbeschule von Mahón, wo sie die Möglichkeit hatte, alle Arten von Mal- und Modellierungstechniken zu erlernen, aber erst einige Jahre später und fast zufällig begann sie damit experimentiere, spiele, transformiere und modelliere Figuren mit Zeitung.
Da Papier ein organisches Material ist, altert es mit der Zeit und die Figuren haben ein Eigenleben. Der Künstler sucht nicht nach glatten oder polierten Oberflächen, sondern nach der Unvollkommenheit, die Papier bietet, da sie ihnen einen melancholischen Reiz voller Sensibilität verleiht.
Der Mensch ist aufgrund der Komplexität seiner Gedanken und Gefühle seine Inspirationsquelle. Versuchen Sie, kleine Momente der Selbstbeobachtung mit Gesten, Farben und Formen festzuhalten, die ein Gefühl vermitteln. Es sind Papierfiguren mit ein bisschen Seele.
Sein kreativer Anreiz entsteht aus dem SCHOCK, wenn er entdeckt, wie viel Schönheit sich hinter der Traurigkeit verbirgt, nach dem Alter, in dem, was bald sterben wird, im Verhalten einiger Menschen angesichts von Einsamkeit oder Tragödie. Diese Momente, in denen "UGLY" und "BEAUTY" zusammenkommen.
Belichtung JAPANISCH gezeigt in Fide sind von japanischen Wörtern inspiriert, die keine Übersetzung haben:
  • AWARE: "Sensibilität, bewegt zu sein und sich melancholisch vor der Schönheit des Vergänglichen zu fühlen, diesem winzigen Schmerz und der zarten Bewunderung, die die Kirschblüte begleitet, wenn sie verdorrt".
  • KIZUNA: "Kollektives Gefühl, Solidarität und Hilfe für andere, die den Japanern angesichts einer Katastrophe eigen sind." Die Künstlerin war bewegt von den katastrophalen Bildern des Tsunamis 2011, aber sie war noch mehr bewegt von der Haltung des japanischen Volkes angesichts von Widrigkeiten. Die Gesten der Solidarität zwischen ihnen und die ständige Dankbarkeit für die Hilfe aus dem Ausland berührten ihn zutiefst.
 
AUSSTELLUNGEN GEMACHT:  
Einzelausstellung: Artara Gallery, Maó 2015
Gemeinschaftsausstellungen:
Nit D'Art, Maó, Juli 2018  
Migjornale, Mitjorn, August 2018.
figur ruhm esbert art in fide

Fantasy World

Agustín Martin Francés.

Fide, Januar – April 2019

Agustín Martín Francés (Madrid, 1959) ist Grafikdesigner und Fotograf. Doktor der Schönen Künste an der Complutense Universität Madrid seit 1992. 

Professor für Grafikdesign an der Fakultät für Bildende Künste. Er hält Vorträge über Fotografie, Design und digitale Kunst. Er hat Grafik- und Raumgestaltungsprojekte für verschiedene Unternehmen durchgeführt und zahlreiche Konferenzen zu Fotografie, Design und digitaler Kunst gehalten, obwohl sich seine künstlerische Karriere immer auf das fotografische Bild konzentrierte und innerhalb und außerhalb unserer Grenzen ausstellte.

Er war Präsident von El Caballito, einer Vereinigung zur Förderung der Autorenfotografie, und war Koordinator des Abschlusses in Design an der UCM, Direktor des offiziellen Master in Design an der UCM und Direktor der Abteilung für Design und Bild an der UCM .

Fantasy World

Fotografie wird normalerweise als Nebenkunst angesehen, obwohl sie Kunstmessen überschwemmt. Nach ihrem Erscheinen im XNUMX. Jahrhundert wurde die fideDie Qualität des Bildes, das sie liefert, brachte die Entstehung der künstlerischen Avantgarde mit sich, die versuchte, den Realismus in der Malerei zu transzendieren. Die Fähigkeit, in einem Augenblick die Spur eines nicht wiederholbaren Ereignisses zu sammeln, und immer aus einem einzigen persönlichen Blickwinkel, hat jedoch die Betrachtung dieser künstlerischen, technischen, mechanischen Methode bestimmt, die in der Art und Weise der Betrachtung des Menschen und des Menschen entwickelt wurde gleichzeitig kalt und fleißig. Die Fotografie hat damit eine Identitätsnische gefunden, durch die sie als authentisches Dokument oder als Kunst anerkannt wird. 

Es gab jedoch immer Mestizen-Künstler. David Hockney machte Kubismus mit Polaroids, Francis Bacon fotografierte sich in Fotokabinen und Salvador Dalí arbeitete mit Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton oder Philippe Halsman zusammen. Lange zuvor verwendete Caravaggio selbst die Camera Obscura, ein fotografisches Gerät, um seine großartigen Gemälde zu schaffen. Andererseits gibt es auch unzählige Kreuzungen wie Joel-Peter Witkin oder Lucas Samaras, die nicht gezögert haben, an der Unterstützung des fotografischen Bildes zu arbeiten. Auf diese Weise wird der kalte Realismus einer Fotografie in warmen Ausdruck, taktile Materie und vulkanische Leidenschaft umgewandelt.

Die Bilder von Fantasy World Sie sind diesen großartigen Präzedenzfällen verpflichtet und fragen nach Ausdruck, Materie, Mysterium, Surrealismus und Leidenschaft. Die Realität wirft immer einen existenziellen Zweifel auf, sie zeigt uns nur, was wir nicht fühlen. Wir spüren jedoch, dass hinter dieser Erscheinung etwas steckt, etwas Lebendiges, das entdeckt werden muss. Deshalb retten und zeigen diese Bilder die sich abzeichnende Realität, interpretieren sie, ohne etwas hinzuzufügen, spielen nur, um sie aufzuwecken, als würden sie einen schlafenden Engel blasen. Fantasy World Es ist eine Popwelt, fantastisch, mysteriös und expressionistisch. Es reflektiert, was sein kann, auch wenn es nicht so scheint, die Formfreiheit, den Ausdruck des Unbelebten. 

http://martinfrances.wixsite.com/liquidandmeltedworld

Zeugen des Unsichtbaren

Curra-Rad.

Fide, September – Dezember 2018

Curra-Rad (Madrid, 1971), Pseudonym von Cristina Rueda Núñez de Villavicencio, ist eine elegante Malerin in der Mitte ihrer Karriere, die mit mehreren Preisen ausgezeichnet wurde, darunter dem jährlichen Bundeszeichnungswettbewerb Crestmond New Jersey (USA) oder dem Erwerbspreis der Complutense Foundation.

Curra Rueda hat einen Abschluss in Bildender Kunst, eine doppelte Spezialität in Design und Malerei sowie einen Abschluss in Kunstgeschichte von der Complutense Universität Madrid. Erasmus-Stipendium in Leeds (Großbritannien) und Ausbildung im Atelier des renommierten Künstlers Cruz Novillo.

Er hat seine Arbeiten in Einzel- und Gruppenausstellungen in Spanien und Belgien ausgestellt. Er hat auch an Kunstmessen wie ArtMadrid14 OneProjet (Madrid), Off Art Fair OAF13 (Brüssel) und JustMad2016 (Madrid) 2016 teilgenommen.

Künstliche Paradiese

Paula Ant.

Fide, August – September 2018

Paula Anta arbeitet in Serien basierend auf Argumenten, die sie später entwickelt in situIn den meisten Fällen als Inszenierungen, die auf installative Weise das endgültige Image erstellen. Die Beziehung zwischen Natur und Künstlichkeit zusammen mit den von Mensch, Geschichte und Reisen geschaffenen Strukturen bestimmen den Weg seiner Arbeit, aber es kann hauptsächlich darauf hingewiesen werden, dass sich die konzeptionelle Linie von Antas Arbeit darauf konzentriert, die Bedeutung jeder Landschaft als kulturelle Tatsache in zu zeigen selbst.
 
Die Verwendung von Materialien, die aufgrund ihrer Zusammensetzung in „giftigen“ Bereichen konfiguriert sind, wie Kunststofffarben, Aerosole, PVC oder verschiedene Arten von Kunststoffen, steht im Gegensatz zu der Vision einer Art zunehmend denaturierter Landschaft, die durch ihre Elemente (Bäume) entsteht , Pflanzen, Steine) und ihre Stärke für und für das Überleben werden an den verschiedenen ausgewählten Orten auferlegt, um auf diese Weise einen internen Dialog zu ermöglichen.
 
Anta nimmt die Natur ohne Betrug über ihre wirklichen Möglichkeiten hinaus. Die Bilder schaffen mögliche Situationen ausgehend von einer Landschaft oder einem scheinbar spontanen Raum, ohne eine erzwungene Erzählung aufzuerlegen.
 
Die Behandlung der Natur mit schwarzen Elementen basiert ihre Bedeutung auf der Beziehung, die sie zwischen Schwarz und Licht herstellt. Schwarz ist die Farbe, die den größten Teil des Lichtspektrums, das wir sehen, absorbiert und am wenigsten reflektiert. In unserer Kultur gibt Licht den Objekten Existenz. Ohne Licht verschwinden sie, sie werden für unsere Augen durchscheinend. Die Existenz der Fotografie von Anfang an beruht auch auf der Ablagerung von Licht auf einer empfindlichen Oberfläche. Das Nichtlicht, die Dunkelheit, das Schwarz verursacht das Verschwinden der Realität. Schwarz und Licht ist daher der Kontrast zwischen der Natur, der verschwindet, aber gleichzeitig die Summe des Lichtspektrums enthält. Wie Soulages beschreibt, ist „Schwarz nicht mehr das Instrument, sondern das geheime Licht, das aus Schwarz entsteht“. Beides in der Fotoserie Schwarze Routen 2011, Efeu 2012 oder L'architecture des arbres Wie in den neuesten Installationen wird 2013 ein Diskurs zwischen der Existenz und dem Verschwinden der Realität (dem natürlichen Element) geschaffen, der gleichzeitig auffällt, wenn er in der absorbierten Tiefe von Schwarz verdünnt wird.

Landschaften im Diskurs

Alex Barros.

Fide, April – September 2018

Das Beispiel besteht aus den neuesten Kreationen dieses jungen Künstlers (1989) und ist in drei differenzierte Serien unterteilt:

Einerseits Landschaften im Diskurs Es handelt sich um eine Reihe von Gemälden, die aus verschiedenen Schulungen (Konferenzen, Kongressen, Debatten) entstanden sind. Zwei dieser Landschaften wurden eingemalt FIDE während der Neuroleadership-Sitzung am 27. Februar.

Ein Miudiño-Spaziergang Es ist eine Reihe in ständiger Entwicklung. Alle diese Werke haben Galizien als zentrales Thema, bei dem Licht und Ton wichtige Faktoren während des Entstehungsprozesses sind.

Von último, la ContraLUZ-Serie. Eine Reihe kleiner und zarter Stücke, die auf dunkle Stützen gemalt sind. Pappe und Stahl dienen als Grundlage für die Erfassung von Momenten, in denen sich der Himmel und seine Farben in einem unbändigen Übergang befinden.

Alex Barros arbeitet als Creative Director beim Beratungsunternehmen Quid Qualitas. Er ist Spezialist für Imagination und Innovation im Bereich „Customer Experience“ und Experte für Co-Creation-Programme.

Nach seinem Abschluss in Bildender Kunst an der Fakultät für Bildende Kunst der UCM (Madrid) ist er Autor von Gruppen- und Einzelausstellungen in Kunstgalerien im ganzen Land. Seine Bildarbeit ist bereits Teil mehrerer Privatsammlungen.

Trauern

Antonius Krieg.

Fide, Februar – März 2018

Antonius Krieg (Zamora 1983), bildender Künstler, der hauptsächlich das fotografische Medium und die Installation verwendet, um die Transformationsprozesse der Landschaft und unsere Wahrnehmung durch das Bild zu reflektieren. Fotografische Inszenierung und Performance in der Natur bilden den Kern seiner Arbeit.

Er erhielt zahlreiche Anerkennungen, darunter das Stipendium der Pilar und Joan Miró Foundation für den Aufenthalt und die Teilnahme an der Casa de Velázquez in Madrid, das Stipendium der Villalar Foundation für künstlerische Schöpfung, das MUSAC Plastic Arts-Stipendium und den Young Creators Contest Award aus Madrid.

Seine Arbeiten wurden unter anderem in Institutionen und Zentren für zeitgenössische Kunst wie dem DA2 in Salamanca, dem Sala del Teatro Calderón in Valladolid und dem Centro Covado Photo in Sevilla ausgestellt. Er nimmt auch an Kunstfestivals wie PhotoEspaña, der Biennale der mediterranen Künstler in Italien und Griechenland, Outono Fotográfica und Foto Noviembre Tenerife sowie an verschiedenen Gruppenausstellungen in Spanien, Europa und Lateinamerika teil.

"Mitate" enthält eine sorgfältige Auswahl der Arbeiten des Künstlers, die zwischen 2012 und 2016 entstanden sind, wo wir einen Dialog zwischen Realität und Fiktion, der Landschaft und ihrer Darstellung sehen können.

Marisa Ruiz-Zorrilla

Einzelausstellung.

Fide, Januar – Februar 2018

Marisa Ruiz-Zorrilla (Madrid, 1955) ist eine Plastikkünstlerin, die zahlreiche Auszeichnungen erhalten hat, darunter die Goldmedaille der Akademie Européenne des Arts in Paris, die Ehrenmedaille beim BMW Preis für Malerei in Spanien und die Silbermedaille in den 40er Jahren Grand Prix International von Belgien.

Er hat in mehreren Ländern Europas und in den USA ausgestellt. Einige der Städte, in denen seine Ausstellungen stattfanden, sind Madrid, Paris, Venezia, Gembloux und New York.

Nach ihrem Abschluss in Philosophie an der Autonomen Universität Madrid befasst sie sich mit Kunst und Psychoanalyse und imprägniert damit ihr künstlerisches Schaffen. Sein kreativer Prozess, der durch kontinuierliches Experimentieren gekennzeichnet ist, entsteht aus der Wechselbeziehung von künstlerischen Feldern und Techniken, die er verschmilzt, bis sich ihre Grenzen auflösen, wodurch die plastische Darstellung einer Idee entsteht.

Diese Ausstellung zeigt eine sorgfältige Auswahl der Arbeiten des Künstlers, die zwischen 2007 und 2017 entstanden sind und sich um zwei gemeinsame Themen drehen: Licht in Städten und Dekonstruktion der Natur.

Säuregeometrie

Philipp.

Fide, November 2017 – Januar 2018

Felipao ist der Künstlername von Felipe Garcia-Bañon Sanz-Briz, einem zufällig in Marokko geborenen Künstler, der sein ganzes Leben lang als Sohn und Enkel von Diplomaten in der halben Welt, den Vereinigten Arabischen Emiraten, Frankreich, Kenia und Nicaragua gelebt hat , Pakistan, ... dieses kosmopolitische Leben und die Begegnung mit verschiedenen Kulturen haben ihm eine facettenreiche Vision der Welt ermöglicht.

Er ließ sich 1983 in Madrid nieder. Er hat einen Abschluss in Wirtschaftswissenschaften von der ICADE, sein Berufsleben verbringt er in multinationalen Unternehmen wie Bristol-Myers, Telecinco, Repsol usw.

2009 beschloss er, eine große Veränderung in seinem Leben vorzunehmen, sein Bedürfnis, seine Erfahrungen, seine Vision und seine Leidenschaft bis dahin zu kommunizieren, veranlasste ihn, die Welt des multinationalen Unternehmens zu verlassen und sich ganz der Kunst zu widmen.

In diesen Jahren hat er unter anderem in Deutschland, den USA, Hongkong, Mexiko und Großbritannien gemeinsam und individuell ausgestellt. Er hat öffentliche Ausstellungen gemacht ("Podenco Dafne y Lucas" - Galerie PArt Ibiza). Seine Werke befinden sich in wichtigen Sammlungen wie Philippe Starck, dem ehemaligen Präsidenten César Gaviria, der Familie Koplowitz und der Familie March.

Er hat an Ausstellungen und spezifischen künstlerischen Projekten für Marken wie MINI, Tag-Heuer, Glenfiddich, Beefeater, Ebay, Apodemia und Bulldog Gin mitgearbeitet.

Seine ikonischen Kreationen haben ihn heute zu einem der bekanntesten Popkünstler gemacht, der von ebay als „der Popkünstler des Augenblicks“ angesehen wird. Seine Skulpturen sind eine Symbiose aus Kunst, Design und Dekoration.

Glücklicher Zufall

Ramon González de la Torre.

Fide, September – November 2017

Schon in jungen Jahren von Kunst im Allgemeinen und von Fotografie, Malerei und Musik im Besonderen angezogen, lernte er fast immer autodidaktisch. 1989 machte er seine ersten Illustrationen für Veröffentlichungen, nachdem er Tutorials von Ramón González Teja erhalten hatte. Ein Jahr später kaufte er seinen ersten Mac, nachdem er einen Master in Grafik und Multimedia an der Fakultät für Informatik der Polytechnischen Universität Madrid abgeschlossen hatte. Von da an kombinierte er Airbrush mit Illustration in digitalen Grafiksystemen. 
Nach 6 Jahren im Grafikstudio Artefacto de Comunicación im Bereich Verpackung schuf er zusammen mit Marta Huerta Bodas das Contracorriente Estudio Gráfico. Eine Studie mit der Philosophie, Dinge anders zu machen. 
Aufgrund seiner Beziehung zur Videobearbeitungstechnologie arbeitete er als Professor für Grafik, nichtlineare Bearbeitung und Spezialeffekte an der Film- und Fernsehschule Seventh Ars.

Architektur in der Seele

Montse Clausells.

Fide, April – Juli 2017

Das Wort "Architekt" leitet sich vom lateinischen "Architekt" ab und stammt aus der Summe der beiden antiken griechischen Wörter "Archos" (Führer) und "Tekton" (Baumeister). Der Architekt ist der "Bauführer" (der Bauleiter). Architektur ist definiert als die Kunst und Technik, bewohnbare physische Räume zu schaffen.

Es gibt eine andere Architektur, die für den Einzelnen wesentlich und inhärent ist. Ich beziehe mich auf die Architektur der tiefen und immateriellen Atmosphären, die uns als Menschen ausmachen und unsere Beziehung zu uns selbst und zu anderen bestimmen. Jeder von uns entwirft, projiziert und baut den intimen Raum, in dem wir leben. Bewusst oder nicht und durch ein komplexes Netz von Elementen (Erfahrungen, Gedanken, Gefühle, Emotionen…) sind wir der „Führer“, der „Site Manager“, der Architekt unserer Intimität.

El künstlerische Sprache Montse Clausells sagt uns genau die wesentlichen "geheimen" Linien, die uns dazu bringen, als Menschen zu fungieren. die Führer, die unsere innere „Stadt“ gründen und ihnen einen Sinn geben. Szenarien, in denen es Strukturen, Spannungen, Gleichgewichte, Gewichte, Böden, verschiedene Oberflächen, verschiedene Tiefen, Öffnungen und Verschlüsse gibt…. Das Bilduniversum dieses Künstlers ist das dieser Landschaften, nicht physisch oder abstrakt, sondern metaphysisch: die Landschaften der Architektur der Seele.

Als ich zum ersten Mal eine Arbeit von Montse Clausells sah, identifizierte ich die farbigen Flecken, das Weiß, das Schwarz, die Nebel, die geometrischen Formen ... Später entdeckte ich in der Farbe die Schichten übereinanderliegender Pigmente und die Glasuren oder Transparentfolien zwischen ihnen .; Weiß war keine Farbe mehr und wurde sowohl in Licht als auch in Dunkelheit verwandelt. Ich spürte die Nebel als leere Räume und geometrische Formen wie die Linien, die sie stützen.

Diese Schichten und Glasuren verbanden mich mit dem Lauf der Zeit, mit den Stufen, mit den Wegen, mit Wachstum und Entwicklung. Weißes Licht mit Energie, Hoffnung und der Möglichkeit zu fließen. Die Dunkelheit der Schwarzen mit dem „Ich“: die Stärke, die Kraft, die Zähigkeit, die Robustheit, die Präsenz des „Ego“, die mit der nebulösen Flüchtigkeit von Unsicherheiten und der Starrheit und Unbeweglichkeit linearer Eindämmung einhergeht.

Montse stellt uns eine einzige, wesentliche Frage, die uns dazu ermutigt Selbstbeobachtung, aber seine Leinwände enthalten unendlich viele Antworten; so viele wie die Individualitäten, die sie betrachten. (…)

Mercedes Durban Monreal. Barcelona, ​​Juli 2016.

Sammlung Los Bragales

Jakobus taub.

Fide, Oktober 2016 – März 2017

Ziel dieser Ausstellung ist es, ein Wissensgebiet der spanischen Malerei zu entwickeln modern Anfang des XNUMX. Jahrhunderts und der Entwicklung der zeitgenössischen Kunst auch Spanisch (1960-2016) in den verschiedenen Bereichen Malerei, Fotografie, Skulptur und Video in der Vision eines Privatsammlers, dem die Los Bragales Collection gehört.
 
Die Ausstellung wird von zwei Sessions begleitet (die erste fand am 18. Oktober und die zweite am 24. Januar 2017 statt) mit James Gehörlos, der seine 40-jährige Erfahrung im Sammeln moderner und zeitgenössischer Kunst einbringen wird
 
Obwohl die Werke bereits am Hauptsitz von zu sehen sind Fide, die Ausstellung wird am eröffnet 18. Oktober in dem Jaime Sordo das kommentieren wird CMerkmale des Privatsammelns in der zeitgenössischen Kunst. Die Sitzung findet statt in Fide (Straße/Serrano, 26-4º, rechts) von 14.00:16.30 bis 30:XNUMX Uhr mit einem informellen Snack in den ersten XNUMX Minuten.
 
Die emotionalen Aspekte des Privatsammlers, der leidenschaftliche Teil und die starke emotionale Wirkung werden angesprochen, die generische Identifikation der Sammler und der wesentliche Wert der Kunst werden analysiert.
 
Die Meinungen verschiedener Kritiker und Kuratoren zum Sammeln werden auf nationaler und internationaler Ebene gesehen.
 
Es wird eine Beschreibung der Sammlung Los Bragales und der Zusammensetzung ihrer Werke in ihren verschiedenen Trägern gegeben, und die ersten 4 der acht Ausstellungen in institutionellen Zentren werden beschrieben, wobei die relevantesten Werke jeder Ausstellung analysiert werden.
 
Während der Laufzeit der Ausstellung werden Kooperationspartner angeboten Fide die Möglichkeit der Organisation private Besuche für geschlossene Gruppen mit einem Experten in der Sammlung. Nach einem kalten Abendessen kann die Gruppe die Details dieser Kollektion hautnah entdecken. Fide bietet die Möglichkeit, diese Aktivität auf Spanisch, Englisch, Französisch und Deutsch zu entwickeln.

PIPPO UND PIPPA

Philippao.

En Fide Wir haben die Felipao-Skulpturenausstellung bis Juli 2016 genossen.
 

PIPPO das Männchen und PIPPA das Weibchen werden auf verschiedene Arten interpretiert, so dass jedes einzigartig ist (Monotypien), einige haben Blumen, andere eine Phrase, andere einige Pop-Zeichnungen, Halbedelsteine ​​... alle sind signiert. Pippo und Pippa werden von Felipao aus Harz hergestellt. 
POPPIS. Alle Werke sind einzigartig, alle sind vom Autor nummeriert und signiert, keine zwei sind gleich, Monotypen. Die Serie ist begrenzt, am Ende der Serie wird die Form zerstört. Alle Arbeiten werden von Felipao mit unterschiedlichen Techniken handgemalt, je nachdem, welches Finish er erreichen möchte. Der Gattungsname des Maskottchens der französischen Bulldog-Serie lautet POPPI. POPPI kommt mit einem Adoptionszertifikat auf die Welt, in dem sein Name, sein Besitzer und seine Seriennummer erscheinen. Jeder POPPI hat seinen eigenen Namen, inspiriert von seiner Dekoration. Der Produktionsprozess ist manuell und handwerklich. Jede Figur wird manuell aus einer Form extrahiert, in die zuvor Glasfaser eingespritzt wurde, ein sehr widerstandsfähiges Material, das allen Wetterbedingungen standhält. Das Ergebnis ist eine Figur mit sehr realen Merkmalen, solide und kompakt. Größe: Die Werke sind im realen Maßstab (1: 1), dh so groß wie ein erwachsener französischer Bulldog (ungefähr 35 cm hoch x 25 cm breit x 50 cm lang). POPPI-Gewicht: 5 kg.

Herminia Infantin

Fide, April – Mai 2016

Herminia begann schon in jungen Jahren mit ihrer Vorliebe, die Natur in den Zeichnungen ihrer Kinder festzuhalten. Sie schloss 1981 ihr Studium der Medizin und Chirurgie ab und spezialisierte sich 1983 auf Arbeitsmedizin. Derzeit arbeitet sie im Bereich Arbeitsmedizin des Präventionsdienstes der Gemeinschaft Madrid und ist Ärztliche Direktorin für Risiko und Arbeit. Sein größtes Hobby ist die Malerei und er hat seine Arbeiten mehrfach in Madrid ausgestellt.
"Viele gute Zeichner erreichen Ihre Seele möglicherweise nicht, ob die Zeichnung perfekt ist oder nicht, sie zeigt nicht an, ob das Gemälde besser oder schlechter ist. Sentimental können wir nicht über Technik sprechen, wie schwierig es ist, wenn das Gemälde Sie zum Verlieben bringt Sagen Sie, ob es eine Technik hat oder kein Bild, das Sie bemerkt haben. Ist die Natur perfekt? vielleicht ist es in seiner Funktionsweise, aber in seiner visuellen Reflexion so perfekt oder unvollkommen wie derjenige, der es betrachtet. Die Natur ist vor allem launisch, oft das Ergebnis eines Zufalls, launisch ja, aber ist sie schön? Nun, es hängt von dem Moment ab, in dem du dich selbst findest, ob schön oder nicht, ist der, den du siehst, es ist deine Realität, deine Art, es zu verstehen. Nun, das sind meine Bilder, sie spiegeln nicht mehr Welt wider, als ich erfunden habe. “  

Louis steigt

Fide, April – Mai 2015

Luis Soares, die Multidisziplinarität eines symbolistischen expressionistischen Schöpfers.
Luis Soares ist ein geborener Forscher und Schöpfer. Der Maler, Bildhauer, Grafiker, Plakatkünstler, Grafiker und Keramiker zeichnet sich durch einen markanten symbolischen expressionistischen Akzent aus.
Geboren in Mosambik, portugiesischer Abstammung, derzeit im portugiesischen Land und in unserem Land ansässig, haben seine große künstlerische Produktion und sein Wunsch nach Wissen seine Schöpfung international projiziert und sich heute als großer Künstler von anerkanntem Prestige und Werk in bedeutenden Museen aus gefestigt verschiedene Länder.
In dieser Ausstellung präsentiert er bearbeitete Arbeiten aus verschiedenen Stadien, in denen sein Eifer, immer mit einer Konstante zu entdecken und zu experimentieren, sein ausgeprägter primitivistischer Akzent, seine Zuschreibung zur symbolischen Darstellung eines organischen Typs, aber auch eines tiefen mystifizierenden und vergötternden Akzents Bestätigt.
Luis Soares, ein portugiesischer Maler, mit einer afrikanischen Seele und einem universellen Schicksal.

Consuelo Mencheta

Fide, April – Juli 2015

„In meiner Malerei suche ich immer nach Paradiesen. Eine Wende im Leben führt mich dazu, in Mittelamerika zu leben. Ich entdecke sein Licht, seine üppige Vegetation, sein tropisches Aroma. Exotische Vögel umgeben mich, köstliche Blumen, berauschende Früchte und türkisfarbenes Wasser. Ich lebe in einem ewigen Frühling, schau es dir an und übersetze es in Farben. “ Consuelo Mencheta.


Weitere Informationen über die Künstlerin und ihre Arbeit finden Sie unter: http://mencheta.com/

Joaquín de Cárdenas und Cobián

Fide, Januar – April 2015

Seit seinen frühen Jahren praktizierte er Aquarell nach Familientradition. Bis 1993 erbrachte er seine professionellen Dienstleistungen als Wirtschaftswissenschaftler im Bausektor und koordinierte und leitete Aufbaustudiengänge für Immobilienfachleute an der Polytechnischen Universität Madrid, während er weiterhin als Freizeitbeschäftigung das Malen praktizierte. Von diesem Zeitpunkt an widmete er sich ganztägig dem Aquarell und stellte kontinuierlich an verschiedenen Orten in Spanien, Frankreich, den USA und Mexiko aus.
Seine Landschaften decken eine Vielzahl von Themen ab, wobei Ecken und maritime Angelegenheiten des Baskenlandes und Kantabriens eindeutig bevorzugt werden.

 
Weitere Informationen zum Künstler und seiner Arbeit: http://www.joaquindecardenasacuarelas.wordpress.com

Eduard Laborde

Fide, Oktober – Dezember 2014

Fide stellte von Oktober bis Dezember 2014 eine Auswahl von Eduardo Labordes Arbeiten aus: "Im März 2014 ging ich durch die Straßen von Manhattan und versuchte mit der Kamera in der Hand, die Dynamik und Aktivität der Stadt zu visualisieren, die in den letzten Jahren das Bezugszentrum war ".

Weitere Informationen zum Künstler und seiner Arbeit: http://www.EduardoLaborde.es

Monica Ridruejo

Fide, Mai – September 2014

Fide präsentierte eine Auswahl des Werks von Monica Ridruejo, bestehend aus Ölgemälden, Arbeiten mit Tusche auf Papier und Skulpturen.
Vergleichen Sie das ausgestellte Ölgemälde mit einem Muster aus der Scrolls & Life-Serie, Kreationen im Kontrapunkt der Größen, die jedoch durch die Vielfalt der kürzlich gemalten Farben in Tinte auf Papier vereint sind. Der Austausch von Perspektiven und die Vielseitigkeit im übertragenen Maßstab verleihen dieser Ausstellung eine interessante Vielfalt und ermöglichen eine bessere Wahrnehmung des kreativen Wertes des Ganzen.
 
Monica Ridruejos Arbeiten wurden in Spanien, mehreren europäischen Ländern und Marokko ausgestellt und sind in verschiedenen Privatsammlungen und internationalen Museumsgalerien vertreten.

Javier Ballester "Montesol"

Fide, September 2013 – April 2014

„Malerei ist ein Wert und eine Investition, sie ist keine industrielle Produktion, sie ist die Arbeit, die ein Künstler ein Leben lang entwickelt, vielleicht die letzte handwerkliche Arbeit in einer Industriegesellschaft. Ich male die Stadt, in der ich lebe, ich male die Bullen und auch einige Stillleben. Ich male Madrid, weil es eine Möglichkeit ist, es kennenzulernen und nebenbei zu lieben, den Stierkampf, weil es eine schöne Choreografie ist, die tiefgründige Dinge vermittelt, und das Stillleben, weil es die Intimität und Einsamkeit des Malers ist. aussetzen Fide Es ist für mich voller Bedeutung, weil ich meine Arbeit Menschen vorstellen werde, die ihre Arbeit lieben und die ihre Existenz durch Arbeit und kontinuierliches Lernen strukturieren. Ich persönlich verstehe darunter Malerei, einen Arbeits- und Erkenntnisprozess.“ 
Das ist die Reflexion, die uns der Künstler über seine Ausstellung in vermitteln wollte Fide.

 
Überprüfen Sie die Arbeit bei: http://www.javiermontesol.com

Eindringlinge

Alfredo Urdáci.

Fide, April – September 2013

Verschiedene Stücke, hergestellt mit verschiedenen fotografischen Techniken, die Licht, Winkel, Momente und Überraschungen einfangen, auffallen und uns näher an die Realität bringen und nicht so nah, mit einem fast magnetischen Effekt ... Die meisten von ihnen werden mit der Zeit hergestellt, um Erfassen Sie die Bewegung der Äste eines Baumes über dem tunesischen Meer oder das Gleiten eines Rudererkanus über den Retiro-See in Madrid. Es handelt sich um Fotos verschiedener Motive, einige von Reisen, andere, die im Ausgangstunnel einer Modellparade aufgenommen wurden oder in der Tradition der Straßenfotografie oder in der Landschaft gerahmt sind. In einem Wald im Norden von Navarra können wir auch verschiedene Drucktechniken beobachten, von Schwarzweiß bis Acryl, die den Farben einiger Buchen im Herbst einen besonderen Glanz verleihen.

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