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Fondation Fide

Un engagement pour l'art

Expositions

Le rapport à l'art est né de la volonté de renforcer les liens entre l'art, Fide et son environnement, fondée sur la conviction que la société de la connaissance, et donc la revitalisation de la culture, sont fondamentales aujourd'hui. En réponse aux préoccupations culturelles des membres de Fide, nous développons des activités liées à la littérature, à la musique et à d'autres domaines humanistes.

Au cours de l'année, les murs de Fide Ils sont recouverts d'œuvres de différents artistes.
Vous trouverez ici les artistes qui ont exposé jusqu'à présent:

publications

Un art qui n'est pas basé sur le sentiment n'est pas de l'art

Paul Cézanne
art

La lettre de Cambridge, par Samir Delgado

Ce livre nous encourage à contempler l'humanité avec l'esthétique de l'amour. C'est un hymne à la parole comme instrument de transformation. Nous savons qu'il y a des mots qui nous permettent de revivre.

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28 Septembre 2021

Expositions virtuelles

L'art ne change rien, l'art vous change

David Lynch

La Mirada

Exposition virtuelle Maribel Gilsanz Otero
Visiter

Postmodernité ou sublimité

Exposition virtuelle Ana Vivas
Visiter

Expositions physiques

L'objet de l'art est d'enlever la poussière de la vie quotidienne de nos âmes

Pablo Picasso

REFLEXES (Exposition caritative)

Christophe Muttukumaru

Fide, janvier 2020- avril 2020

Christopher Muttukumaru, est membre du Conseil académique de Fide (basé à Londres). Christopher est CB, DL et avocat. Consultant chez Eversheds Sutherland (International) LLP. Il a été membre de Monckton Chambers au Gray's Inn à Londres de 2014 à 2018. Il a été membre du Conseil général du ministère britannique des Transports où il a été conseiller juridique en chef de huit secrétaires d'État aux Transports successifs entre 2001 et 2013. Le Conseil général était également membre du Conseil exécutif du DfT.
La photographie est l'un des grands passe-temps de Christopher et, à cette occasion, il nous offre l'opportunité d'exposer une petite collection de ses photographies qu'il a intitulée "Reflections".
Les images sont pour la plupart des paysages des pays avec lesquels il a été étroitement associé, l'Australie, la Grande-Bretagne, la France, les Pays-Bas et bien sûr l'Espagne. Un thème constant de sa photographie est de voir le monde reflété.
Christopher fera don de tous les fonds de toute vente de ces photographies au *Fondation Balia*.
(*) Fondation qui depuis 2001 lutte contre la pauvreté des enfants en Espagne par l'éducation. (www.baliafoundation.org )

"Un télescope accueille une loupe"

César Barrio

Fide, novembre 2019 – janvier 2020. 

"Il fallait percer l'épaisseur de la lumière pour commencer à voir."
 José Angel Valente
 
«Ma façon de peindre est totalement archéologique. Comme creuser dans les étoiles. 
Il est curieux que plus vous descendez dans la matière, augmentant l’échelle du 
vision, comme s'il s'agissait d'ouvrir un tunnel ou d'entrer dans une grotte, les images qui restent avec vous 
entre les mains, ils ressemblent formellement aux photos que nous ont envoyées les satellites.
Plus vous introduisez de poids ou de densité dans l'objet, plus vous lui produisez de légèreté. Loin et proche 
ils deviennent confus lorsque la matière consciente d'elle-même perd son éclat. " 
César Barrio
 
César Barrio (Oviedo 1971) est un artiste en milieu de carrière avec une projection internationale. Son travail est, entre autres, dans les collections de diverses universités et fondations et dans des collections privées en Espagne, au Portugal, en France, en Italie, en Autriche, au Brésil, au Mexique et au Pérou. Il a exposé individuellement dans des villes telles que Salzbourg, Lisbonne, Madrid, Santander, Oviedo et Pampelune. Diplômé en architecture, il donne des cours et des conférences en tant que professeur invité dans les écoles d'architecture. Il est un collaborateur régulier, en tant qu'artiste, dans des studios d'architecture et dans des projets hétérogènes avec des écrivains, des musiciens et des créateurs de mode.

Commissaire: Elena Rodríguez Mayol

De l'intérieur: la société iranienne, une vision et une mission différentes.

Javad Tafti Farachah.

Fide, septembre-octobre 2019

Né à Karaj, Iran en 1977.
Artiste visuel et scénique. À différentes périodes, il a travaillé sur le théâtre, la photographie et, depuis 2015, des documentaires et des courts métrages.
Il fait de multiples interventions, se démarquant dans la réalisation et le montage ainsi que dans la production de documentaires et de courts métrages. Ses derniers travaux les plus remarquables tournent autour de projets de travaux de génie civil, de barrages et de complexes réalisés ces dernières années en Iran.
Depuis 2011, il visite divers endroits de la géographie iranienne et expose dans différentes galeries nationales de son domaine son travail photographique sur la vie quotidienne de la société iranienne, ainsi que les paysages qui l'entourent et dans lesquels il est assis. Ainsi, il mène un travail de recherche visuelle sur les aspects symboliques de la société dont il fait partie, ouvrant son travail à l'interculturalité.
La rétrospective photographique couvre l'actualité sociale iranienne, accompagnée du paysage persan naturel et monumental, d'une grande beauté intrinsèque.
Visualiser l'expérience quotidienne des personnes, en particulier les enfants (le futur), la culture locale (visualisée dans les métiers singuliers actuels, le présent), et les intégrer dans un cadre où les espaces monumentaux sont encore valables (le passé), permettent d'intégrer les grand et petit, le singulier avec le particulier, permettant d'offrir cette singularité persane de l'intérieur.
L'objectif principal de cette exposition offre, à travers une vision strictement sociale, l'insouciance personnelle proche et sans certaines attentes, d'offrir la possibilité de changer le stéréotype de la radicalité sociale politisée de la société iranienne, en changeant ledit paradigme lorsqu'un pays est visualisé de l'intérieur. , du point de vue de «l'autre» (l'observé).

"Parfois, le sourire d'un enfant est si doux que vous n'êtes pas prêt à échanger ce moment pour quoi que ce soit au monde. C'est le record des photos prises il y a un an. La photographie n'est pas seulement un enregistrement visuel de personnes, c'est une vie humaine immortalisée, nous apportant des qualités de bonheur, de tristesse, d'espoir et d'émotions de toutes sortes. Il y a un lien direct avec l'âme du photographe. La valeur de ce métier n'est pas seulement une valeur quantitative et qualitative, c'est bien plus, car les personnes, les gestionnaires d'institutions et d'organisations, ainsi que leur potentiel humain, soutiennent des projets qui ont vu, voient et verront un environnement social qui respire bien-être des hommes, dans une revendication de justice cosmique qui atteint la part infinitésimale de chaque univers.

Japonais

Gloria Esbert.

Fide, avril – septembre 2019

Elle a étudié la bijouterie et la bijouterie fantaisie à l'École des Arts et Métiers de Mahón, où elle a eu l'occasion d'apprendre toutes sortes de techniques de peinture et de modelage, mais ce n'est que quelques années plus tard, et presque par hasard, qu'elle a commencé à expérimenter, jouer, transformer et modéliser des personnages avec du papier journal.
Le papier étant une matière organique, il vieillit avec le temps et cela donne aux personnages une vie propre. L'artiste ne recherche pas les surfaces lisses ou polies, mais plutôt l'imperfection qu'offre le papier, car il leur confère un attrait mélancolique plein de sensibilité.
L'être humain est sa source d'inspiration en raison de la complexité de ses pensées et de ses émotions. Essayez de capturer de petits moments d'introspection avec des gestes, des couleurs et des formes qui transmettent un sentiment. Ce sont des personnages de papier avec un peu d'âme.
Son stimulus créatif naît du CHOC en découvrant combien de beauté se cache derrière la tristesse, après la vieillesse, dans ce qui est sur le point de mourir, dans le comportement de certains êtres humains face à la solitude ou à la tragédie. Ces moments où "UGLY" et "BEAUTY" se rencontrent.
Exposition JAPONAIS montré dans Fide sont inspirés de mots japonais qui n'ont pas de traduction :
  • CONSCIENT: "Sensibilité d'être ému et ressentir de la mélancolie devant la beauté de l'éphémère, cette petite douleur et la tendre admiration qui accompagnent la fleur de cerisier quand elle se fane".
  • KIZUNA: "Un sentiment collectif, solidaire et utile pour les autres, intrinsèque aux Japonais face à une catastrophe." L'artiste a été émue par les images catastrophiques du tsunami de 2011, mais elle a été encore plus émue par l'attitude du peuple japonais face à l'adversité. Les gestes de solidarité entre eux et la gratitude continue pour l'aide reçue de l'étranger l'ont profondément touché.
 
EXPOSITIONS FAITES:  
Exposition personnelle: Galerie Artara, Maó 2015
Expositions collectives:
Nit D'Art, Maó, juillet 2018  
Migjornale, Mitjorn, août 2018.
figure gloire esbert art dans fide

Fantasy World

Agustin Martín Francés.

Fide, janvier – avril 2019

Agustín Martín Francés (Madrid, 1959) est graphiste et photographe. Docteur en Beaux-Arts de l'Université Complutense de Madrid depuis 1992. 

Professeur de graphisme à la Faculté des Beaux-Arts. Il donne des conférences sur la photographie, le design et l'art numérique. Il a réalisé des projets de graphisme et de design d'espace pour différentes entreprises et a donné de nombreuses conférences sur la photographie, le design et l'art numérique, même si sa carrière artistique s'est toujours concentrée sur l'image photographique, exposant à l'intérieur et à l'extérieur de nos frontières.

Il a été président d'El Caballito, une association pour la promotion de la photographie d'auteur et a été coordinateur du diplôme en design à l'UCM, directeur du master officiel en design à l'UCM et directeur du département de design et d'image à la UCM.

Fantasy World

La photographie est généralement considérée comme un art mineur, bien qu'elle inonde les foires d'art. Après son apparition au XIXe siècle, le fideLa qualité de l'image qu'il fournit a entraîné l'émergence de l'avant-garde artistique, qui cherchait à transcender le réalisme en peinture. Cependant, la capacité de capter en un instant la trace d'un événement irremplaçable, et toujours d'un seul point de vue personnel, a déterminé la considération de cette méthode artistique, technique, mécanique, conçue dans la manière de regarder l'humain et à la fois froid et appliqué. La photographie a ainsi trouvé une niche identitaire par laquelle elle est reconnue comme document authentique ou comme art. 

Cependant, il y a toujours eu des artistes métis. David Hockney a fait du cubisme à l'aide de polaroids, Francis Bacon s'est photographié dans des photomatons et Salvador Dalí a collaboré avec Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton ou Philippe Halsman. Bien avant, Caravaggio utilisait lui-même la camera obscura, un appareil photographique, pour créer ses magnifiques tableaux. D'autre part, il existe également d'innombrables métis, comme ceux de Joel-Peter Witkin ou Lucas Samaras, qui n'ont pas hésité à travailler sur le support de l'image photographique. De cette manière, le réalisme froid d'une photographie se transforme en expression chaleureuse, matière tactile et passion volcanique.

Les images de Fantasy World ils sont redevables de ces magnifiques précédents, ils enquêtent sur l'expression, la matière, le mystère, le surréalisme et la passion. La réalité soulève toujours un doute existentiel, elle ne nous montre que ce que nous ne ressentons pas. Cependant, nous sentons qu'il y a quelque chose derrière cette apparence, quelque chose de vivant qui doit être découvert. C'est pourquoi ces images sauvent et montrent la réalité imminente, l'interprétant sans rien ajouter, jouant juste pour la réveiller, comme souffler un ange endormi. Fantasy World c'est un monde pop, fantastique, mystérieux et expressionniste. Il reflète ce qui peut être même si cela ne lui semble pas, la liberté de forme, l'expression de l'inanimé. 

http://martinfrances.wixsite.com/liquidandmeltedworld

Témoins de l'invisible

roue curra.

Fide, septembre – décembre 2018

roue curra (Madrid, 1971), pseudonyme de Cristina Rueda Núñez de Villavicencio, est une élégante peintre en milieu de carrière qui a reçu plusieurs prix tels que le concours annuel de dessin fédéral Crestmond New Jersey (États-Unis) ou le prix d'acquisition de la Fondation Complutense.

Curra Rueda est titulaire d'un diplôme en beaux-arts, une double spécialité en design et peinture, ainsi qu'un diplôme en histoire de l'art, le tout de l'Université Complutense de Madrid. Bourse Erasmus à Leeds (Grande-Bretagne) et formation au travail dans l'atelier du célèbre artiste Cruz Novillo.

Il a exposé son travail dans des expositions individuelles et collectives en Espagne et en Belgique. Il a également participé à des foires d'art telles que ArtMadrid14 OneProjet (Madrid), Off Art Fair OAF13 (Bruxelles) et 2016 JustMad2016 (Madrid).

Paradis artificiels

Paula Fourmi.

Fide, août – septembre 2018

Paula Anta travaille en série sur la base d'arguments qu'elle développe plus tard sur place, dans la plupart des cas, comme des mises en scène qui, d'une manière d'installation, construisent l'image finale. La relation entre la nature et l'artificialité ainsi que les structures créées par l'homme, l'histoire et le voyage configurent le parcours de son travail, mais on pourrait surtout souligner que la ligne conceptuelle du travail d'Anta se concentre sur la démonstration de la signification de chaque paysage en tant que fait culturel en lui-même.
 
L'utilisation de matériaux configurés dans des zones «toxiques» de par leur composition, comme les peintures plastiques, les aérosols, le PVC ou différents types de plastiques, contraste avec la vision d'une sorte de paysage de plus en plus dénaturé, qui, à travers ses éléments (arbres , plantes, pierres) et leur force pour et pour la survie, s'impose dans les différents lieux choisis permettant ainsi un dialogue interne.
 
Anta emmène la nature au-delà de ses réelles possibilités sans impostures. Les images créent des situations possibles à partir d'un paysage ou d'un espace apparemment spontané sans imposer un récit forcé.
 
Le traitement de la nature avec des éléments noirs fonde sa signification sur la relation qu'elle établit entre le noir et la lumière. Le noir est la couleur qui absorbe la plupart du spectre de la lumière que nous voyons et qui en reflète le moins. Dans notre culture, la lumière est ce qui donne l'existence aux objets. Sans lumière, ils disparaissent, ils deviennent translucides à nos yeux. L'existence de la photographie depuis ses origines est également due au dépôt de lumière sur une surface sensible. La non-lumière, l'obscurité, le noir, sont à l'origine de la disparition de la réalité. Par conséquent, le noir et la lumière est le contraste entre la nature qui disparaît mais qui, en même temps, contient la somme du spectre lumineux. Comme le décrit Soulages, «le noir n'est plus l'instrument mais cette lumière secrète qui naît du noir». Les deux dans la série photographique Routes noires 2011 Lierre X L'architecture des arbres En 2013, comme dans les dernières installations, un discours se crée entre l'existence et la disparition du réel (l'élément naturel) qui se détache en même temps qu'il se dilue dans la profondeur absorbée du noir.

Paysages dans le discours

Alex Barros.

Fide, avril – septembre 2018

L'exposition est composée des dernières créations de ce jeune artiste (1989), et se divise en trois séries différenciées:

D'une part, Paysages dans le discours C'est un ensemble de peintures nées de différentes sessions de formation (conférences, congrès, débats). Deux de ces paysages ont été peints en FIDE lors de la session Neuroleadership du 27 février.

Une promenade Miudiño c'est une série en évolution continue. Toutes ces œuvres ont la Galice comme thème central, où la lumière et le son sont des facteurs importants lors du processus de création.

Enfin, le Série ContraLUZ. Une série de petites pièces délicates peintes sur des supports sombres. Le carton et l'acier servent de base pour capturer des moments où le ciel et ses couleurs sont en transition irrépressible.

Alex Barros travaille en tant que directeur de création au sein de la société de conseil Quid Qualitas. Il est spécialiste de l'imagination et de l'innovation dans le domaine de "l'Expérience Client" et expert des programmes de Co-Création.

Diplômé en Beaux-Arts de la Faculté des Beaux-Arts de l'UCM (Madrid), en tant qu'artiste, il est l'auteur d'expositions collectives et individuelles dans des galeries d'art du pays. Son œuvre picturale fait déjà partie de plusieurs collections privées.

Faire le deuil

Antoine Guerre.

Fide, février – mars 2018

Antoine Guerre (Zamora 1983), artiste plasticien qui utilise principalement le médium photographique et l'installation pour réfléchir sur les processus de transformation du paysage et notre perception de celui-ci à travers l'image. La mise en scène photographique et la performance dans la nature sont au cœur de son travail.

Il a reçu de nombreux prix, dont la bourse de résidence et de participation de la Fondation Pilar et Joan Miró à La Casa de Velázquez à Madrid, la bourse de création artistique de la Fondation Villalar, la bourse d'arts plastiques MUSAC et le prix du Concours des jeunes créateurs de Madrid.

Son travail a été exposé individuellement dans des institutions et des centres d'art contemporain tels que le DA2 à Salamanque, la Sala del Teatro Calderón à Valladolid et le Centro Covado Photo à Séville, entre autres. Il participe également à des festivals d'art, tels que PhotoEspaña, la Biennale des artistes méditerranéens en Italie et en Grèce, Outono Fotográfica et Foto Noviembre Tenerife et à diverses expositions de groupe en Espagne, en Europe et en Amérique latine.

"Mitate" abrite une sélection minutieuse du travail de l'artiste, réalisée entre 2012 et 2016, où l'on peut voir un dialogue entre réalité et fiction, le paysage et sa représentation.

Marisa Ruiz-Zorrilla

Exposición individuel.

Fide, janvier – février 2018

Marisa Ruiz-Zorrilla (Madrid, 1955) est une artiste plasticienne qui a à son actif de nombreuses récompenses, telles que la médaille d'or de l'Académie Européenne des Arts de Paris, la médaille d'honneur du prix BMW de peinture en Espagne et la médaille d'argent des années 40 Grand Prix International de Belgique.

Il a exposé dans plusieurs pays d'Europe et aux États-Unis, certaines des villes qui ont accueilli ses expositions sont Madrid, Paris, Venise, Gembloux et New York.

Diplômée en philosophie de l'Université autonome de Madrid, elle se plonge dans l'étude de l'art et de la psychanalyse, imprégnant sa création artistique de tout cela. Son processus créatif, marqué par une expérimentation continue, émerge de l'interrelation des champs artistiques et des techniques qu'il fusionne jusqu'à ce que leurs limites se dissolvent, créant ainsi la représentation plastique d'une idée.

Cette exposition présente une sélection minutieuse du travail de l'artiste réalisé entre 2007 et 2017, autour de deux fils communs, la lumière dans les villes et la déconstruction de la nature.

Géométrie acide

Felipe.

Fide, novembre 2017 – janvier 2018

Felipao est le nom de scène de Felipe Garcia-Bañon Sanz-Briz, un artiste né par hasard au Maroc qui tout au long de sa vie, étant fils et petit-fils de diplomates, a vécu dans la moitié du monde, aux Émirats arabes unis, en France, au Kenya, au Nicaragua , Pakistan, ... cette vie cosmopolite et son exposition à différentes cultures lui ont permis d'avoir une vision multiforme du monde.

Il s'installe à Madrid en 1983. Il est diplômé en économie et commerce de l'ICADE, sa vie professionnelle se passe dans des multinationales telles que Bristol-Myers, Telecinco, Repsol, etc.

En 2009, il décide de faire un grand changement dans sa vie, son besoin de communiquer ses expériences, sa vision et ce qui avait été sa passion jusque-là, le conduit à abandonner le monde de la multinationale et à se consacrer totalement à l'art.

Tout au long de ces années, il a exposé en Allemagne, aux États-Unis, à Hong-Kong, au Mexique, au Royaume-Uni, entre autres pays, collectivement et individuellement. Il a fait des expositions publiques ("Podenco Dafne y Lucas" - Galerie PArt Ibiza). Ses œuvres font partie d'importantes collections telles que celles de Philippe Starck, de l'ancien président César Gaviria, de la famille Koplowitz et de la famille March, entre autres.

Il a collaboré à des expositions et des projets artistiques spécifiques pour des marques telles que MINI, Tag-Heuer, Glenfiddich, Beefeater, Ebay, Apodemia et Bulldog Gin.

Ses créations emblématiques l'ont positionné comme l'un des artistes pop les plus reconnus aujourd'hui, considéré par ebay comme «l'artiste pop du moment». Ses sculptures sont une symbiose entre l'art, le design et la décoration.

Serendipity

Ramón González de la Torre.

Fide, septembre – novembre 2017

Attiré dès son plus jeune âge par l'art en général et par la photographie, la peinture et la musique en particulier, il apprend, presque toujours de manière autodidacte. En 1989, il réalise ses premières illustrations pour des publications, après avoir reçu des tutoriels de Ramón González Teja. Un an plus tard, il achète son premier Mac, après avoir terminé un Master en Graphisme et Multimédia à la Faculté d'Informatique de l'Université Polytechnique de Madrid. Dès lors, il combine l'aérographe et l'illustration dans les systèmes graphiques numériques. 
Après 6 ans de travail dans le studio graphique Artefacto de Comunicación dans le domaine de l'emballage, il a créé, avec Marta Huerta Bodas, Contracorriente Estudio Gráfico. Une étude avec la philosophie de faire les choses d'une manière différente. 
Sa relation avec la technologie de montage vidéo l'a amené à travailler comme professeur de graphisme, de montage non linéaire et d'effets spéciaux à l'école de cinéma et de télévision Seventh Ars.

L'architecture dans l'âme

Monts Clausells.

Fide, avril – juillet 2017

Le mot «architecte» dérive du latin «architectus» et vient de la somme de deux mots grecs antiques «archos» (guide) et «tekton» (constructeur). L'architecte est le «guide de la construction» (le chef de chantier). L'architecture est définie comme l'art et la technique de création d'espaces physiques habitables.

Il existe une autre architecture essentielle et intrinsèque à l'individu. Je fais référence à l'architecture des atmosphères profondes et immatérielles qui nous constituent en tant que personnes et déterminent notre relation avec nous-mêmes et avec les autres. Chacun de nous conçoit, projette et construit l'espace intime que nous habitons. Conscients ou non et à travers un réseau complexe d'éléments (expériences, pensées, sentiments, émotions…) nous sommes le «guide», le «gestionnaire de site», l'architecte de notre intimité.

El langage artistique Montse Clausells nous parle précisément de ces lignes «secrètes» essentielles qui nous font fonctionner en tant que personnes; les guides qui fondent et donnent un sens à notre «ville» intérieure. Scénarios dans lesquels il y a des structures, des tensions, des équilibres, des poids, des planchers, des surfaces différentes, des profondeurs diverses, des ouvertures et des fermetures…. L'univers pictural de cet artiste est celui de ces paysages non physiques ou abstraits mais métaphysiques: les paysages de l'architecture de l'âme.

La première fois que j'ai vu une œuvre de Montse Clausells, j'ai identifié les taches colorées, le blanc, le noir, les brumes, les formes géométriques ... Plus tard, dans la couleur, j'ai découvert les couches de pigments superposés et les glaçures ou transparences entre eux.; le blanc a cessé d'être de la peinture et s'est transformé en lumière aussi bien que le noir en ténèbres; J'ai senti les brumes comme espaces vides et formes géométriques comme les lignes qui les soutiennent.

Ces couches et ces glacis m'ont connecté avec le passage du temps, avec les étapes, avec les itinéraires, avec la croissance et le développement. Lumière blanche avec énergie, espoir et possibilité de couler. L'obscurité des noirs avec le «je»: la force, la puissance, la ténacité, la robustesse, la présence de «l'ego» qui coexiste avec la volatilité nébuleuse des insécurités et avec la rigidité et l'immobilité du confinement linéaire.

Montse nous pose une seule question essentielle qui nous incite à introspection, mais ses toiles contiennent une infinité de réponses; autant que les individualités qui les contemplent. (…)

Mercedes Durban Monreal. Barcelone, juillet 2016.

Collection Los Bragales

James Sourd.

Fide, octobre 2016 – mars 2017

Le but de cette exposition est de développer un domaine de connaissance de la peinture espagnole Moderne le début du XNUMXe siècle et le développement de l'art contemporain également espagnol (1960-2016) dans les différents supports de peinture, photographie, sculpture et vidéo dans la vision d'un collectionneur privé propriétaire de la Collection Los Bragales.
 
L'exposition sera accompagnée de deux sessions (la première a eu lieu le 18 octobre et la seconde le 24 janvier 2017) avec James sourd, qui apportera son expérience de 40 ans dans la collection d'art moderne et contemporain
 
Bien que les œuvres soient déjà visibles au siège de Fide, l'exposition ouvrira le 18 octobre dans lequel Jaime Sordo commentera le CCaractéristiques de la collection privée en art contemporain. La séance aura lieu en Fide (Rue/ Serrano, 26-4º, droite) de 14.00h16.30 à 30hXNUMX avec une collation informelle dans les XNUMX premières minutes.
 
Les aspects émotionnels du collectionneur privé, la partie passionnée et le fort impact émotionnel seront abordés, l'identification générique des collectionneurs et la valeur essentielle de l'art seront analysées.
 
Les opinions des différents critiques et conservateurs sur la collecte seront vues au niveau national et international.
 
Une description sera faite de la Collection Los Bragales et la composition de ses œuvres dans ses différents supports et les 4 premières expositions des huit tenues dans des centres institutionnels seront décrites, en analysant les œuvres les plus pertinentes de chaque exposition.
 
Pendant la durée de l'exposition, des entités collaboratrices se verront proposer Fide la possibilité d'organiser visites privées pour groupes fermés avec un expert de la collection. Après un dîner froid, le groupe pourra découvrir de très près les détails de cette collection. Fide offre la possibilité de développer cette activité en espagnol, anglais, français et allemand.

PIPPO ET PIPPA

Philippao.

En Fide Nous avons apprécié l'exposition de sculptures de Felipao jusqu'en juillet 2016.
 

PIPPO le mâle et PIPPA la femelle sont interprétés de différentes manières pour que chacun soit unique (monotypes), certains ont des fleurs, d'autres une phrase, d'autres des dessins pop, des pierres semi-précieuses ... tous sont signés. Pippo et Pippa sont en résine par Felipao. 
POPPIS. Toutes les œuvres sont uniques, toutes sont numérotées et signées par l'auteur, il n'y en a pas deux qui se ressemblent, des monotypes. La série est limitée, à la fin de la série, le moule est détruit. Toutes les œuvres sont peintes à la main par Felipao en utilisant différentes techniques en fonction de la finition qu'il souhaite réaliser. Le nom générique de la mascotte de la série des taureaux français est POPPI. POPPI vient au monde avec un certificat d'adoption où figurent son nom, son propriétaire et son numéro de série. Chaque POPPI a son propre nom, inspiré de sa décoration. Le processus de fabrication est manuel et artisanal, chaque figurine est extraite manuellement d'un moule où, auparavant, de la fibre de verre est injectée, un matériau très résistant qui résiste à tous les types de temps. Le résultat est une figurine aux caractéristiques très réelles, solide et compacte. Taille: Les œuvres sont à l'échelle réelle (1: 1), c'est-à-dire la taille d'un taureau français adulte (environ 35 cm de haut x 25 cm de large x 50 cm de long). Poids POPPI: 5 kg.

Herminie Infante

Fide, avril – mai 2016

Herminia a commencé dès son plus jeune âge avec son penchant pour capturer la nature parmi les dessins de ses enfants. Diplômée en médecine et chirurgie en 1981 et spécialisée en médecine du travail en 1983, elle travaille actuellement dans le domaine de la médecine du travail du service de prévention de la Communauté de Madrid et est la directrice médicale des risques et du travail. Son plus grand passe-temps est la peinture et il a exposé son travail à Madrid à plusieurs reprises.
"Beaucoup de bons dessinateurs peuvent ne pas atteindre votre âme, si le dessin est parfait ou non, cela n'indique pas si la peinture est meilleure ou pire. Sentimentalement, nous ne pouvons pas parler de technique, combien il est difficile si la peinture vous fait tomber amoureux. dites si cette peinture a une technique ou non. image que vous avez remarquée. La nature est-elle parfaite? peut-être, dans son fonctionnement, mais dans son reflet visuel, il est aussi parfait ou imparfait que celui qui le contemple. La nature est avant tout capricieuse, souvent le fruit du hasard, capricieuse oui, mais est-elle belle? Eh bien, cela dépend du moment, ce moment où vous vous trouvez, belle ou pas, c'est celui que vous voyez, c'est votre réalité, votre façon de la comprendre. Eh bien, ce sont mes tableaux, ils ne reflètent pas plus le monde que celui que j'ai inventé ».  

louis s'envole

Fide, avril – mai 2015

Luis Soares, la multidisciplinarité d'un créateur expressionniste symboliste.
Luis Soares, est un chercheur et créateur né. Peintre, sculpteur, graveur, affichiste, graphiste et céramiste, son travail se caractérise par la présentation d'un accent expressionniste symbolique marqué.
Né au Mozambique, d'origine portugaise, actuellement installé dans le pays portugais et dans notre pays, sa grande production artistique et son désir de savoir ont projeté sa création à l'international, se consolidant aujourd'hui comme un grand artiste de prestige reconnu et travaillant dans d'importants musées de différents pays.
Dans cette exposition, il présente des œuvres éditées de différentes étapes, dans lesquelles son désir de découvrir et d'expérimenter, toujours avec un accent constant, son accent primitiviste marqué, son attribution à la représentation symbolique d'un type organique mais aussi d'un accent profond mystifiant et déifiant est confirmé.
Luis Soares, un peintre portugais, avec une âme africaine et un destin universel.

Consuelo Mencheta

Fide, avril – juillet 2015

«Dans ma peinture, je suis toujours à la recherche de paradis. Un tournant dans la vie me conduit à résider en Amérique centrale. Je découvre sa lumière, sa végétation exubérante, son arôme tropical. Des oiseaux exotiques m'entourent, des fleurs délicieuses, des fruits enivrants et des eaux turquoises. Je vis dans un printemps éternel, il suffit de le regarder et de le traduire en couleurs ». Consuelo Mencheta.


Vous trouverez plus d'informations sur l'artiste et son travail sur: http://mencheta.com/

Joaquín de Cardenas y Cobián

Fide, janvier – avril 2015

Dès ses premières années, il pratique l'aquarelle selon la tradition familiale. Jusqu'en 1993, il a fourni ses services professionnels en tant qu'économiste dans le secteur de la construction et coordonne et dirige des cours de troisième cycle pour les professionnels de l'immobilier à l'Université polytechnique de Madrid, tout en continuant à pratiquer la peinture comme activité de temps libre. À partir de cette date, il se consacre à plein temps à l'aquarelle et fait des expositions continues dans divers endroits en Espagne, en France, aux États-Unis et au Mexique.
Ses paysages couvrent une grande variété de thèmes, avec une nette préférence pour les coins et les affaires maritimes du Pays Basque et de la Cantabrie.

 
Pour plus d'informations sur l'artiste et son travail: http://www.joaquindecardenasacuarelas.wordpress.com

Edouard Laborde

Fide, octobre – décembre 2014

Fide a exposé un échantillon du travail d'Eduardo Laborde d'octobre à décembre 2014 : « En mars 2014, je me promenais dans les rues de Manhattan et avec mon appareil photo à la main, j'ai essayé de visualiser le dynamisme et l'activité de la ville qui a été le centre de référence ces dernières années ».

Pour plus d'informations sur l'artiste et son travail: http://www.EduardoLaborde.es

Monica Ridruejo

Fide, mai – septembre 2014

Fide a présenté une sélection de l'œuvre de Monica Ridruejo, composée de peintures à l'huile, d'œuvres à l'encre sur papier et de sculptures.
Contrastez la peinture à l'huile exposée avec un échantillon de la série Scrolls & Life, des créations en contrepoint de tailles mais unies par la diversité des couleurs dans la technique encre sur papier, récemment peinte. L'échange de perspectives et la polyvalence à l'échelle figurative donnent une variété intéressante à cette exposition, et permettent une meilleure perception de la valeur créative de l'ensemble.
 
Le travail de Monica Ridruejo a été exposé en Espagne, dans plusieurs pays européens et au Maroc, et est présent dans diverses collections privées et galeries muséales internationales.

Javier Ballester "Montesol"

Fide, septembre 2013 – avril 2014

« La peinture est une valeur et un investissement, ce n'est pas une production industrielle, c'est le travail qu'un artiste développe tout au long de sa vie, peut-être le dernier travail artisanal dans une société industrielle. Je peins la ville où je vis, je peins les Bulls et aussi des natures mortes. Je peins Madrid parce que c'est une façon de la connaître et accessoirement de l'aimer, la tauromachie parce que c'est une belle chorégraphie qui transmet des choses profondes, et la nature morte parce qu'elle est l'intimité et la solitude du peintre. exposer dans Fide C'est plein de sens pour moi, car je vais présenter mon travail à des gens qui aiment leur travail et qui structurent l'existence par le travail et l'apprentissage continu. Personnellement, c'est ainsi que je conçois la peinture, un processus de travail et de connaissance ». 
C'est la réflexion que l'artiste a voulu nous livrer à propos de son exposition en Fide.

 
Vérifiez le travail à: http://www.javiermontesol.com

Les intrus

Alfredo Urdaci.

Fide, avril – septembre 2013

Des pièces variées, réalisées avec différentes techniques photographiques qui captent la lumière, les angles, les instants, qui surprennent, attirent le regard et nous rapprochent de réalités proches et pas si proches, avec un effet presque magnétique .... fait avec le temps, pour capturer le mouvement des branches d'un arbre sur la mer tunisienne, ou pour capturer le glissement d'une pirogue de rameur sur le lac du Retiro, à Madrid. Ce sont des photos de sujets variés, certaines de voyages, d'autres prises dans le tunnel de sortie d'un défilé de mannequins, ou encadrées dans la tradition de la photographie de rue, ou encore dans le paysage. On peut également voir différentes techniques d'impression, du noir et blanc à l'impression en méthacrylate, qui donne un éclat particulier aux couleurs de certains hêtres en automne, dans une forêt du nord de la Navarre.

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