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Fondazione Fide

Un impegno per l'arte

Esposizioni

Il rapporto con l'arte nasce dalla volontà di rafforzare i legami tra arte, Fide e il suo ambiente, basata sulla convinzione che la società della conoscenza, e quindi la dinamizzazione della cultura, siano oggi fondamentali. In risposta alle preoccupazioni culturali dei membri di Fide, sviluppiamo attività legate alla letteratura, alla musica e ad altre aree umanistiche.

Durante l'anno le mura di Fide sono ricoperte da opere di diversi artisti.
Qui puoi trovare gli artisti che hanno esposto finora:

pubblicazioni

Un'arte che non si basa sul sentimento non è arte

Paul Cézanne

Mostre virtuali

L'arte non cambia niente, l'arte ti cambia

David Lynch

La Mirada

Maribel Gilsanz Otero Mostra virtuale

Postmodernità o sublimità

Mostra virtuale di Ana Vivas

Esposizioni fisiche

L'oggetto dell'arte è rimuovere la polvere dalla vita quotidiana delle nostre anime

Pablo Picasso

REFLEXES (Mostra di beneficenza)

Christopher Muttukumaru

Fide, gennaio 2020- aprile 2020

Christopher Muttukumaru, è membro del Fide Academic Council (con sede a Londra). Christopher è CB, DL e avvocato. Consultant presso Eversheds Sutherland (International) LLP. È stato membro della Monckton Chambers al Gray's Inn di Londra dal 2014 al 2018. È stato membro del Consiglio generale del Dipartimento dei trasporti britannico dove ha ricoperto il ruolo di Chief Legal Counsel per otto successivi Segretariati di Stato per i trasporti tra il 2001 e il 2013 Nel Consiglio Generale era anche membro del Consiglio Esecutivo DfT.
La fotografia è uno dei grandi hobby di Christopher e, in questa occasione, ci dà la possibilità di esporre una piccola raccolta delle sue fotografie che ha intitolato «Reflections».
Le immagini sono per lo più paesaggi dei paesi con cui è stato strettamente associato, Australia, Gran Bretagna, Francia, Paesi Bassi e, naturalmente, Spagna. Un tema costante della sua fotografia è vedere il mondo riflesso.
Christopher donerà tutti i fondi derivanti dalla vendita di queste fotografie al *Fondazione Balia*.
(*) Fondazione che dal 2001 combatte la povertà infantile in Spagna attraverso l'istruzione. (www.fundacionbalia.org )

"Un telescopio accoglie una lente d'ingrandimento"

César Barrio

Fide, novembre 2019 - gennaio 2020. 

"È stato necessario perforare lo spessore della luce per iniziare a vedere".
 Jose Angel Valente
 
“Il mio modo di dipingere è totalmente archeologico. Come scavare nelle stelle. 
È curioso che più scendi nella materia, aumentando la scala del 
visione, come se stesse per aprire un tunnel o entrare in una grotta, le immagini che ti rimangono 
nelle mani hanno una somiglianza formale con le foto inviateci dai satelliti.
Maggiore è il peso o la densità che introduci all'oggetto, maggiore è la leggerezza che produci in esso. Lontano e vicino 
si confondono quando la materia autocosciente perde il suo splendore ". 
César Barrio
 
César Barrio (Oviedo 1971) è un artista a metà carriera con proiezione internazionale. Il suo lavoro è, tra gli altri, nelle collezioni di varie università e fondazioni e in collezioni private in Spagna, Portogallo, Francia, Italia, Austria, Brasile, Messico e Perù. Ha esposto individualmente in città come Salisburgo, Lisbona, Madrid, Santander, Oviedo e Pamplona. Laureato in architettura, tiene corsi e convegni in qualità di professore invitato in scuole di architettura. Collabora regolarmente, come artista, in studi di architettura e in progetti eterogenei con scrittori, musicisti e stilisti.

Curatore: Elena Rodríguez Mayol

Dall'interno: Iranian Society, una visione e una missione diverse.

Javad Tafti Farashah.

Fide, settembre-ottobre 2019

Nato a Karaj, Iran nel 1977.
Artista visivo e scenico. In diversi periodi si occupa di recitazione teatrale, fotografia e, dal 2015, documentari e cortometraggi.
Realizza molteplici interventi, distinguendosi nella regia e nel montaggio oltre che nella produzione di documentari e cortometraggi. I suoi ultimi lavori più importanti ruotano attorno a progetti di opere civili, dighe e complessi realizzati negli ultimi anni in Iran.
Dal 2011 visita vari luoghi della geografia iraniana ed espone in diverse gallerie nazionali nel suo campo il suo lavoro fotografico sulla vita quotidiana della società iraniana, nonché sui paesaggi che lo circondano e in cui siede. Svolge così un lavoro di ricerca visiva sugli aspetti simbolici della società di cui fa parte, aprendo il suo lavoro all'interculturalità.
La retrospettiva fotografica copre le notizie sociali iraniane, accompagnate dal paesaggio persiano naturale e monumentale, di grande bellezza intrinseca.
Visualizzare l'esperienza quotidiana delle persone, in particolare i bambini (il futuro), la cultura locale (visualizzata negli attuali mestieri singolari, il presente), e integrarli in un ambiente dove gli spazi monumentali sono ancora validi (il passato), consentono di integrare il il grande e il piccolo, il singolare con il particolare, permettono di offrire questa singolarità persiana dall'interno.
L'obiettivo principale di questa mostra offre, attraverso una visione strettamente sociale, la stretta, personale disattenzione e senza certe aspettative, di offrire la possibilità di cambiare lo stereotipo della radicalità sociale politicizzata della società iraniana, cambiando detto paradigma quando un paese viene visualizzato dall'interno , dal punto di vista dell '"altro" (l'osservato).

«A volte il sorriso di un bambino è così dolce che non sei disposto a scambiare quel momento con niente al mondo. Questo è il record di foto scattate un anno fa. La fotografia non è solo una registrazione visiva delle persone, è la vita umana immortalata, portandoci qualità di felicità, tristezza, speranza ed emozioni di ogni tipo. C'è una connessione diretta con l'anima del fotografo. Il valore di questa professione non è solo un valore quantitativo e qualitativo, è molto di più, perché le persone, i gestori di istituzioni e organizzazioni nonché il loro potenziale umano, tutelano progetti che hanno visto, vedranno e vedranno un ambiente sociale che respira bene -essere per le persone, in una rivendicazione di giustizia cosmica che raggiunge la parte infinitesimale di ogni universo. "

giapponese

Gloria Esbert.

Fide, aprile - settembre 2019

Ha studiato gioielleria e bigiotteria presso la School of Arts and Crafts di Mahón, dove ha avuto l'opportunità di apprendere tutti i tipi di tecniche di pittura e modellazione, ma solo pochi anni dopo, e quasi per caso, ha iniziato a sperimentare, giocare, trasformare e modellare figure con il giornale.
Poiché la carta è un materiale organico, invecchia nel tempo e questo fa sì che le figure abbiano una vita propria. L'artista non cerca superfici lisce o levigate, ma piuttosto l'imperfezione che la carta offre, in quanto conferisce loro un fascino malinconico carico di sensibilità.
L'essere umano è la sua fonte di ispirazione per la complessità dei suoi pensieri ed emozioni. Cerca di catturare piccoli momenti di introspezione con gesti, colori e forme che trasmettono un sentimento. Sono personaggi di carta con un po 'di anima.
Il suo stimolo creativo nasce dallo SHOCK scoprendo quanta bellezza si cela dietro la tristezza, dopo la vecchiaia, in ciò che sta per morire, nel comportamento di alcuni esseri umani di fronte alla solitudine o alla tragedia. Quei momenti in cui "BRUTTO" e "BELLEZZA" si incontrano.
Esposizione GIAPPONESE mostrati in Fide sono ispirati da parole giapponesi che non hanno traduzione:
  • CONSAPEVOLE: "Sensibilità di commuoversi e sentirsi malinconici davanti alla bellezza dell'effimero, quel minuscolo dolore e la tenera ammirazione che accompagnano il fiore di ciliegio quando appassisce".
  • KIZUNA: "Un sentimento collettivo, di sostegno e di aiuto per gli altri, intrinseco ai giapponesi di fronte a una catastrofe." L'artista è rimasta commossa dalle immagini catastrofiche dello tsunami del 2011, ma ancor più commossa dall'atteggiamento del popolo giapponese di fronte alle avversità. I gesti di solidarietà tra loro e la continua gratitudine per l'aiuto ricevuto dall'estero lo hanno toccato profondamente.
 
MOSTRE REALIZZATE:  
Mostra personale: Artara Gallery, Maó 2015
Mostre collettive:
Nit D'Art, Maó, luglio 2018  
Migjornale, Mitjorn, agosto 2018.
figura gloria esbert art en fide

Fantasy World

Agustín Martín Frances.

Fide, gennaio - aprile 2019

Agustín Martín Francés (Madrid, 1959) è un grafico e fotografo. Dottore in Belle Arti presso l'Università Complutense di Madrid dal 1992. 

Professore di Graphic Design presso la Facoltà di Belle Arti. Tiene lezioni di fotografia, design e arte digitale. Ha realizzato progetti di grafica e design spaziale per diverse aziende e ha tenuto numerose conferenze su fotografia, design e arte digitale, anche se il suo percorso artistico si è sempre concentrato sull'immagine fotografica, esponendo dentro e fuori i nostri confini.

È stato presidente di El Caballito, associazione per la promozione della fotografia d'autore ed è stato Coordinatore del Corso di Laurea in Design presso l'UCM, Direttore del Master ufficiale in Design presso l'UCM e Direttore del Dipartimento di Design e Immagine dell'UCM .

Fantasy World

La fotografia è solitamente considerata un'arte minore, anche se inonda le fiere d'arte. Dopo la sua comparsa nel XIX secolo, la fedeltà dell'immagine che fornisce ha portato con sé l'emergere delle avanguardie artistiche, che cercavano di trascendere il realismo nella pittura. Tuttavia, la capacità di cogliere in un istante la traccia di un evento irripetibile, e sempre da un unico punto di vista personale, ha determinato la considerazione di questo metodo artistico, tecnico, meccanico, concepito in modo umano e freddo. e diligente. La fotografia ha così trovato una nicchia di identità grazie alla quale viene riconosciuta come documento autentico o come arte. 

Tuttavia, ci sono sempre stati artisti meticci. David Hockney ha realizzato il cubismo usando le polaroid, Francis Bacon si è fotografato in cabine fotografiche e Salvador Dalí ha collaborato con Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton o Philippe Halsman. Molto tempo prima, lo stesso Caravaggio usava la camera oscura, un dispositivo fotografico, per creare i suoi magnifici dipinti. D'altra parte, ci sono anche innumerevoli incroci, come quelli di Joel-Peter Witkin o Lucas Samaras, che non hanno esitato a lavorare sul supporto dell'immagine fotografica. In questo modo il freddo realismo di una fotografia si trasforma in calda espressione, materia tattile e passione vulcanica.

Le immagini di Fantasy World sono debitori di questi magnifici precedenti, indagano l'espressione, la materia, il mistero, il surrealismo e la passione. La realtà solleva sempre un dubbio esistenziale, ci mostra solo ciò che non sentiamo. Tuttavia, percepiamo che c'è qualcosa dietro quell'apparenza, qualcosa di vivo che deve essere scoperto. Ecco perché queste immagini salvano e mostrano la realtà incombente, interpretandola senza aggiungere nulla, solo giocando per svegliarla, come soffiare un angelo addormentato. Fantasy World è un mondo pop, fantastico, misterioso ed espressionista. Riflette ciò che può essere anche se può non sembrare, la libertà di forma, l'espressione dell'inanimato. 

http://martinfrances.wixsite.com/liquidandmeltedworld

Testimoni dell'invisibile

Curra Rueda.

Fide, settembre - dicembre 2018

Curra Rueda (Madrid, 1971), pseudonimo di Cristina Rueda Núñez de Villavicencio, è un'elegante pittrice di metà carriera che ha ricevuto diversi premi come l'annuale Federal Drawing Contest Crestmond New Jersey (USA), o il Complutense Foundation Acquisition Prize.

Curra Rueda ha una laurea in Belle Arti, una doppia specialità in Design e Pittura e anche una laurea in Storia dell'Arte, tutte conseguite presso l'Università Complutense di Madrid. Borsa di studio Erasmus a Leeds (Gran Bretagna) e formazione presso lo studio del noto artista Cruz Novillo.

Ha esposto i suoi lavori in mostre personali e collettive in Spagna e Belgio. Ha anche partecipato a fiere d'arte come ArtMadrid14 OneProjet (Madrid), Off Art Fair OAF13 (Bruxelles) e 2016 JustMad2016 (Madrid).

Paradisi artificiali

Paula Anta.

Fide, agosto - settembre 2018

Paula Anta lavora in serie sulla base di argomenti che successivamente sviluppa on-site, nella maggior parte dei casi, come allestimenti che, in modo installativo, costruiscono l'immagine finale. Il rapporto tra natura e artificiosità insieme alle strutture create dall'uomo, la storia e il viaggio configurano il percorso del suo lavoro ma si può soprattutto sottolineare che la linea concettuale del lavoro di Anta punta a mostrare il significato di ogni paesaggio come fatto culturale in si.
 
L'utilizzo di materiali che per la loro composizione si configurano in zone "tossiche", come vernici plastiche, aerosol, PVC o diversi tipi di plastica, contrasta con la visione di una sorta di paesaggio sempre più denaturato, che, attraverso i suoi elementi (alberi , piante, pietre) e la loro forza per e per la sopravvivenza, si impone nei diversi luoghi scelti permettendo, in questo modo, un dialogo interno.
 
Anta porta la natura oltre le sue reali possibilità senza imposture. Le immagini creano situazioni possibili partendo da un paesaggio o da uno spazio apparentemente spontaneo senza imporre una narrazione forzata.
 
Il trattamento della natura con elementi neri basa il suo significato sul rapporto che stabilisce tra nero e luce. Il nero è il colore che assorbe la maggior parte dello spettro della luce che vediamo e ne riflette meno. Nella nostra cultura, la luce è ciò che dà l'esistenza agli oggetti. Senza luce, scompaiono, diventano traslucide ai nostri occhi. L'esistenza della fotografia fin dalle sue origini, è dovuta anche alla deposizione di luce su una superficie sensibile. La non luce, l'oscurità, il nero danno origine alla scomparsa della realtà. Nero e luce, quindi, è il contrasto tra la natura che scompare ma che, allo stesso tempo, contiene la somma dello spettro luminoso. Come descrive Soulages "il nero non è più lo strumento ma quella luce segreta che nasce dal nero". Entrambi nella serie fotografica Percorsi neri 2011 Edera X L'architecture des arbres Nel 2013, come nelle ultime installazioni, si crea un discorso tra l'esistenza e la scomparsa della realtà (l'elemento naturale) che risalta mentre si diluisce nella profondità assorbita del nero.

Paesaggi nel discorso

Alex Barros.

Fide, aprile - settembre 2018

La mostra è composta dalle ultime creazioni di questo giovane artista (1989), ed è suddivisa in tre serie differenziate:

Da un lato, Paesaggi nel discorso Si tratta di un insieme di dipinti che sono nati da diversi momenti di formazione (conferenze, congressi, dibattiti). Due di questi paesaggi sono stati dipinti in FIDE durante la sessione di Neuro-leadership tenutasi il 27 febbraio.

Una passeggiata Miudiño è una serie in continua evoluzione. Tutte queste opere hanno come tema centrale la Galizia, dove la luce e il suono sono fattori importanti durante il processo di creazione.

Per último, la Serie ContraLUZ. Una serie di piccoli e delicati pezzi dipinti su supporti scuri. Il cartone e l'acciaio servono come base per catturare momenti in cui il cielo ei suoi colori sono in una transizione irrefrenabile.

Alex Barros Lavora come Direttore Creativo presso la società di consulenza Quid Qualitas. È uno specialista in immaginazione e innovazione nel campo della "Customer Experience" ed esperto in programmi di co-creazione.

Laureato in Belle Arti presso la Facoltà di Belle Arti dell'UCM (Madrid), come artista è autore di mostre collettive e individuali in gallerie d'arte a livello nazionale. La sua opera pittorica fa già parte di diverse collezioni private.

Piangere

Antonio Guerra.

Fide, febbraio - marzo 2018

Antonio Guerra (Zamora 1983), artista visivo che utilizza principalmente il mezzo fotografico e l'installazione per riflettere sui processi di trasformazione del paesaggio e sulla nostra percezione di esso attraverso l'immagine. La messa in scena fotografica e la performance nella natura costituiscono il nucleo del suo lavoro.

Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui la borsa di studio della Fondazione Pilar e Joan Miró per la residenza e la partecipazione a La Casa de Velázquez a Madrid, la borsa di studio per la creazione artistica della Fondazione Villalar, la borsa di studio MUSAC per le arti plastiche e il premio Young Creators Contest di Madrid.

Il suo lavoro è stato esposto individualmente in istituzioni e centri d'arte contemporanea come il DA2 a Salamanca, la Sala del Teatro Calderón a Valladolid e il Centro Covado Photo a Siviglia, tra gli altri. Partecipa anche a festival d'arte, come PhotoEspaña, la Biennale degli artisti mediterranei in Italia e Grecia, Outono Fotográfica e Foto Noviembre Tenerife e in varie mostre collettive in Spagna, Europa e America Latina.

"Mitate" ospita un'accurata selezione del lavoro dell'artista, realizzata tra il 2012 e il 2016, dove possiamo vedere un dialogo tra realtà e finzione, il paesaggio e la sua rappresentazione.

Marisa Ruiz-Zorrilla

Esposizione individuale.

Fide, gennaio - febbraio 2018

Marisa Ruiz-Zorrilla (Madrid, 1955) è un'artista plastica che ha al suo attivo numerosi premi, come la Medaglia d'Oro dell'Accademia Europea delle Arti di Parigi, la Medaglia d'Onore al Premio BMW per la Pittura in Spagna e la Medaglia d'Argento negli anni 40 Gran Premio Internazionale del Belgio.

Ha esposto in diversi paesi in Europa e negli Stati Uniti, alcune delle città che hanno ospitato le sue mostre sono Madrid, Parigi, Venezia, Gembloux e New York.

Laureata in Filosofia all'Università Autonoma di Madrid, approfondisce lo studio dell'Arte e della Psicoanalisi, impregnando di tutto questo la sua creazione artistica. Il suo processo creativo, segnato da una continua sperimentazione, emerge dall'interrelazione di campi e tecniche artistiche che fonde fino a dissolverne i limiti, creando così la rappresentazione plastica di un'idea.

Questa mostra ospita un'attenta selezione del lavoro dell'artista realizzato tra il 2007 e il 2017, che ruota attorno a due fili comuni, la luce nelle città e la decostruzione della natura.

Geometria acida

Felipao.

Fide, novembre 2017 - gennaio 2018

Felipao è il nome d'arte di Felipe Garcia-Bañon Sanz-Briz, artista nato per caso in Marocco che per tutta la vita, essendo figlio e nipote di diplomatici, ha vissuto in mezzo mondo, Emirati Arabi Uniti, Francia, Kenya, Nicaragua , Pakistan, ... questa vita cosmopolita e l'esposizione a culture diverse gli hanno permesso di avere una visione multiforme del mondo.

Si è stabilito a Madrid nel 1983. Si è laureato in economia e commercio all'ICADE, la sua vita lavorativa è trascorsa in multinazionali come Bristol-Myers, Telecinco, Repsol, ecc.

Nel 2009 decide di dare una grande svolta alla sua vita, la sua esigenza di comunicare le sue esperienze, la sua visione e quella che era stata la sua passione fino ad allora, lo porta a lasciare il mondo della multinazionale per dedicarsi completamente all'arte.

In questi anni ha esposto in Germania, Stati Uniti, Hong Kong, Messico, Regno Unito, tra gli altri paesi, collettivamente e individualmente. Ha realizzato mostre pubbliche ("Podenco Dafne y Lucas" - Galleria PArt Ibiza). Le sue opere sono in importanti collezioni come quelle di Philippe Starck, l'ex presidente César Gaviria, la famiglia Koplowitz e la famiglia March, tra gli altri.

Ha collaborato a mostre e progetti artistici specifici per marchi come MINI, Tag-Heuer, Glenfiddich, Beefeater, Ebay, Apodemia e Bulldog Gin.

Le sue creazioni iconiche lo hanno posizionato come uno degli artisti pop più riconosciuti oggi, considerato da ebay come "l'artista Pop del momento". Le sue sculture sono una simbiosi di arte, design e decorazione.

Colpo di fortuna

Ramón González de la Torre.

Fide, settembre - novembre 2017

Attratto fin da giovane dall'arte in generale e dalla fotografia, pittura e musica in particolare, ha imparato, quasi sempre in maniera autodidatta. Nel 1989 realizza le sue prime illustrazioni per pubblicazioni, dopo aver ricevuto tutorial da Ramón González Teja. Un anno dopo, ha acquistato il suo primo Mac, dopo aver completato un Master in Grafica e Multimedia presso la Facoltà di Informatica del Politecnico di Madrid. Da quel momento in poi, combina l'aerografia con l'illustrazione nei sistemi di grafica digitale. 
Dopo 6 anni di lavoro nello studio grafico Artefacto de Comunicación nel campo del packaging, ha creato, insieme a Marta Huerta Bodas, Contracorriente Estudio Gráfico. Uno studio con la filosofia del fare le cose in modo diverso. 
Il suo rapporto con la tecnologia di editing video lo ha portato a lavorare come professore di grafica, montaggio non lineare ed effetti speciali presso la Seventh Ars Film and TV school.

Architettura nell'anima

Montse Clausells.

Fide, aprile - luglio 2017

La parola "architetto" deriva dal latino "architectus" e deriva dalla somma di due parole del greco antico "archos" (guida) e "tekton" (costruttore). L'architetto è la "guida alla costruzione" (il gestore del sito). L'architettura è definita come l'arte e la tecnica di creare spazi fisici abitabili.

C'è un'altra architettura essenziale e intrinseca all'individuo. Mi riferisco all'architettura delle atmosfere profonde e intangibili che ci costituiscono come persone e determinano il nostro rapporto con noi stessi e con gli altri. Ognuno di noi idea, progetta e costruisce lo spazio intimo che abitiamo. Consci o no e attraverso una complessa rete di elementi (esperienze, pensieri, sentimenti, emozioni…) siamo la “guida”, il “site manager”, l'artefice della nostra intimità.

El linguaggio artistico Montse Clausells ci parla proprio di quelle linee "segrete" essenziali che ci fanno funzionare come persone; le guide che fondano e danno senso alla nostra “città” interna. Scenari in cui sono presenti strutture, tensioni, equilibri, pesi, solai, diverse superfici, varie profondità, aperture e chiusure…. L'universo pittorico di questo artista è quello di questi paesaggi non fisici o astratti ma metafisici: i paesaggi dell'architettura dell'anima.

La prima volta che ho visto un'opera di Montse Clausells, ho individuato le macchie colorate, il bianco, il nero, le nebbie, le forme geometriche ... Successivamente, nel colore, ho scoperto gli strati di pigmenti sovrapposti e gli smalti o trasparenze tra di loro.; il bianco cessò di essere pittura e si trasformò in luce così come il nero in oscurità; Ho percepito le nebbie come spazi vuoti e forme geometriche come le linee che le sostengono.

Quegli strati e gli smalti mi collegavano con il passare del tempo, con le tappe, con i percorsi, con la crescita e lo sviluppo. Luce bianca con energia, speranza e possibilità di fluire. L'oscurità dei neri con l'io: la forza, la potenza, la tenacia, la robustezza, la presenza dell'io che convive con la nebulosa volatilità delle insicurezze e con la rigidità e l'immobilità del contenimento lineare.

Montse ci pone una domanda unica ed essenziale che ci incoraggia a farlo introspezione, ma le sue tele contengono un'infinità di risposte; tante quante sono le individualità che le contemplano. (...)

Mercedes Durban Monreal. Barcellona, ​​luglio 2016.

Collezione Los Bragales

Giacomo Sordo.

Fide, ottobre 2016 - marzo 2017

Lo scopo di questa mostra è sviluppare un'area di conoscenza della pittura spagnola moderno l'inizio del XNUMX ° secolo e il sviluppo dell'Arte Contemporanea anche spagnolo (1960-2016) nei diversi supporti di pittura, fotografia, scultura e video nella visione di un collezionista privato che possiede la Collezione Los Bragales.
 
La mostra sarà accompagnata da due sessioni (la prima si è svolta il 18 ottobre e la seconda il 24 gennaio 2017) con Giacomo Sordo, che contribuirà con la sua esperienza di 40 anni collezionando Arte Moderna e Contemporanea
 
Sebbene i lavori siano già visibili presso la sede Fide, la mostra sarà inaugurata il 18 ottobre in cui Jaime Sordo commenterà il CCaratteristiche del collezionismo privato nell'arte contemporanea. La sessione si terrà presso Fide (Calle / Serrano, 26-4º a destra) dalle 14.00:16.30 alle 30:XNUMX con uno spuntino informale nei primi XNUMX minuti.
 
Verranno affrontati gli aspetti emotivi del collezionista privato, la parte appassionata e il forte impatto emotivo, verrà analizzata l'identificazione generica dei collezionisti e il valore essenziale dell'arte.
 
Le opinioni che diversi critici e curatori hanno sul collezionismo si vedranno a livello nazionale e internazionale.
 
Si descriverà la Collezione Los Bragales e si descriverà la composizione delle sue opere nei suoi diversi supporti e si descriveranno le prime 4 delle otto mostre svolte nei centri istituzionali, analizzando le opere più rilevanti di ciascuna mostra.
 
Per tutta la durata della mostra sarà offerta la possibilità di organizzazione agli enti che collaborano con Fide visite private per gruppi chiusi con un esperto di raccolta. Dopo una cena fredda, il gruppo potrà conoscere da vicino i dettagli di questa collezione. Fide offre l'opportunità di sviluppare questa attività in spagnolo, inglese, francese e tedesco.

PIPPO E PIPPA

Felipao.

A Fide abbiamo goduto della mostra delle sculture di Felipao fino a luglio 2016.
 

PIPPO il maschio e PIPPA la femmina sono interpretati in vari modi in modo che ognuno sia unico (monotipi), alcuni hanno fiori, altri una frase, altri alcuni disegni pop, pietre semipreziose ... tutti sono firmati. Pippo e Pippa sono realizzati in resina da Felipao. 
POPPIS. Tutte le opere sono uniche, sono tutte numerate e firmate dall'autore, non ce ne sono due uguali, monotipi. La serie è limitata, alla fine della serie lo stampo viene distrutto. Tutte le opere sono dipinte a mano da Felipao utilizzando tecniche differenti a seconda della finitura che si vuole ottenere. Il nome generico della mascotte della serie bull-dog francese è POPPI. POPPI arriva nel mondo con un certificato di adozione in cui compaiono il suo nome, il suo proprietario e il suo numero di serie. Ogni POPPI ha il suo nome, ispirato alla sua decorazione. Il processo di produzione è manuale e artigianale, ogni figura viene estratta manualmente da uno stampo dove, in precedenza, viene iniettata la fibra di vetro, un materiale molto resistente che resiste a tutti i tipi di tempo. Il risultato è una figura dai tratti molto reali, solida e compatta. Dimensioni: le opere sono in scala reale (1: 1), cioè le dimensioni di un toro francese adulto (circa 35 cm di altezza x 25 cm di larghezza x 50 cm di lunghezza). Peso POPPI: 5 kg.

Herminia Infante

Fide, aprile - maggio 2016

Herminia ha iniziato fin dalla tenera età con la sua passione per catturare la natura tra i disegni dei suoi figli. Si è laureata in Medicina e Chirurgia nel 1981 e si è specializzata in Medicina del Lavoro nel 1983, attualmente lavora nell'Area di Medicina del Lavoro del Servizio di Prevenzione della Comunità di Madrid ed è Direttore Medico del Rischio e del Lavoro. Il suo più grande hobby è la pittura e ha esposto le sue opere a Madrid in diverse occasioni.
"Molti bravi disegnatori potrebbero non raggiungere la tua anima, se il disegno è perfetto o no, non indica se il dipinto è migliore o peggiore. Sentimentalmente non si può parlare di tecnica, quanto è difficile se il dipinto ti fa innamorare dimmi se ha tecnica o no foto che hai notato. La natura è perfetta? forse, nel suo funzionamento, ma nel suo riflesso visivo, è perfetto o imperfetto come chi lo contempla. La natura è soprattutto capricciosa, spesso frutto del caso, capricciosa sì, ma è bella? Ebbene, dipende dal momento, da quel momento in cui ti trovi, bello o meno è quello che vedi, è la tua realtà, il tuo modo di intenderla. Ebbene, quelli sono i miei quadri, non rispecchiano un mondo più di quello che ho inventato ”.  

Luis Soares

Fide, aprile - maggio 2015

Luis Soares, la multidisciplinarietà di un creatore espressionista simbolista.
Luis Soares, è un ricercatore e creatore nato. Pittore, scultore, incisore, cartellonista, grafico e ceramista, il suo lavoro si caratterizza per presentare un marcato accento simbolico espressionista.
Nato in Mozambico, di origine portoghese, attualmente stanziato nel paese portoghese e nel nostro paese, la sua grande produzione artistica e il suo desiderio di conoscenza hanno proiettato la sua creazione a livello internazionale, consolidandosi oggi come un grande artista di riconosciuto prestigio e lavorando in importanti musei da paesi diversi.
In questa mostra presenta lavori curati da diverse fasi, in cui la sua voglia di scoprire e sperimentare, sempre con una costante, il suo marcato accento primitivista, la sua attribuzione alla rappresentazione simbolica di tipo organico ma anche di profondo accento mistificante e deificante è confermato.
Luis Soares, un pittore portoghese, con un'anima africana e un destino universale.

Consuelo Mencheta

Fide, aprile - luglio 2015

“Nella mia pittura cerco sempre dei paradisi. Una svolta nella vita mi porta a risiedere in America Centrale. Scopro la sua luce, la sua vegetazione esuberante, il suo aroma tropicale. Uccelli esotici mi circondano, fiori deliziosi, frutti inebrianti e acque turchesi. Vivo in un'eterna primavera, basta guardarla e tradurla in colori ”. Consuelo Mencheta.


Maggiori informazioni sull'artista e sul suo lavoro sono disponibili su: http://mencheta.com/

Joaquín de Cárdenas y Cobián

Fide, gennaio - aprile 2015

Fin dai primi anni ha praticato l'acquerello seguendo la tradizione di famiglia. Fino al 1993 ha prestato i suoi servizi professionali come economista nel settore delle costruzioni e coordina e dirige corsi post-laurea per professionisti del settore immobiliare presso l'Università Politecnica di Madrid, pur continuando a praticare pittura come attività per il tempo libero. Da quella data si dedica a tempo pieno all'acquarello e tiene continue mostre in varie località in Spagna, Francia, Stati Uniti e Messico.
I suoi paesaggi coprono un'ampia varietà di temi, con una chiara preferenza per gli angoli e gli affari marittimi dei Paesi Baschi e della Cantabria.

 
Per ulteriori informazioni sull'artista e il suo lavoro: http://www.joaquindecardenasacuarelas.wordpress.com

Eduardo Laborde

Fide, ottobre - dicembre 2014

Fide ha esposto da ottobre a dicembre 2014 un campione del lavoro di Eduardo Laborde: “A marzo 2014 camminavo per le strade di Manhattan e macchina fotografica alla mano ho cercato di visualizzare il dinamismo e l'attività della città che è stata il centro di riferimento negli ultimi anni ".

Per ulteriori informazioni sull'artista e il suo lavoro: http://www.EduardoLaborde.es

Monica Ridruejo

Fide, maggio - settembre 2014

Fide ha presentato una selezione dell'opera di Monica Ridruejo, composta da dipinti ad olio, inchiostro su carta e sculture.
Contrasta il dipinto ad olio in mostra con un campione della serie Scrolls & Life, creazioni in contrappunto di dimensioni ma accomunate dalla diversità dei colori nella tecnica inchiostro su carta, recentemente dipinte. Lo scambio di prospettive e la versatilità nella scala figurativa conferiscono un'interessante varietà a questo campione, e consentono una migliore percezione del valore creativo dell'insieme.
 
Il lavoro di Monica Ridruejo è stato esposto in Spagna, in diversi paesi europei e in Marocco, ed è presente in varie collezioni private e gallerie museali internazionali.

Javier Ballester "Montesol"

Fide, settembre 2013 - aprile 2014

“La pittura è un valore e un investimento, non è una produzione industriale, è l'opera che un artista sviluppa nel corso della vita, forse l'ultima opera artigiana in una società industriale. Dipingo la città in cui vivo, dipingo i tori e anche alcune nature morte. Dipingo Madrid perché è un modo per conoscerla e amarla, i tori perché è una bella coreografia che trasmette cose profonde e la natura morta perché è l'intimità e la solitudine del pittore. Esporre alla Fide per me è pieno di significato, perché presenterò il mio lavoro a persone che amano il loro lavoro e che strutturano l'esistenza attraverso il lavoro e l'apprendimento continuo. Personalmente è così che intendo la pittura, un processo di lavoro e di conoscenza ”. 
Questa è la riflessione che l'artista ha voluto trasmetterci sulla sua mostra alla Fide.

 
Controlla il lavoro su: http://www.javiermontesol.com

Intrusi

Alfredo Urdaci.

Fide, aprile - settembre 2013

Vari pezzi, realizzati con diverse tecniche fotografiche che catturano la luce, gli angoli, gli istanti, che sorprendono, catturano lo sguardo e ci avvicinano alla realtà e non così vicini, con un effetto quasi magnetico .... La maggior parte di essi sono realizzati con il tempo immortalare il movimento dei rami di un albero sul mare tunisino o immortalare lo scivolamento di una canoa a remi sul lago Retiro, a Madrid. Sono foto di soggetti vari, alcune di viaggio, altre scattate nel tunnel di uscita di una sfilata di modelli, o incorniciate nella tradizione della street photography, o nel paesaggio. Possiamo anche vedere diverse tecniche di stampa, dal bianco e nero alla stampa acrilica, che dona una lucentezza particolare ai colori di alcuni faggi in autunno, in una foresta a nord della Navarra.

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