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Fundação Fide

Um compromisso com a arte

exposições

A relação com a arte nasceu da vontade de estreitar os laços entre a arte, a Fide e o seu meio, partindo da convicção de que a sociedade do conhecimento e, portanto, a dinamização da cultura são hoje fundamentais. Em resposta às preocupações culturais dos membros da Fide, desenvolvemos atividades relacionadas à literatura, música e outras áreas humanísticas.

Durante o ano, as paredes da Fide ficam cobertas de obras de diversos artistas.
Aqui você encontra os artistas que já expuseram:

publicações

Uma arte que não se baseia no sentimento não é arte

Paul Cézanne

Exposições Virtuais

A arte não muda nada, a arte muda você

David Lynch

O olhar

Exposição Virtual Maribel Gilsanz Otero

Pós-modernidade ou Sublimidade

Exposição Virtual Ana Vivas

Exposições Físicas

O objetivo da arte é remover a poeira da vida diária de nossas almas

Pablo Picasso

REFLEXES (Exposição Beneficente)

Christopher Muttukumaru

Fide, janeiro de 2020 - abril de 2020

Christopher Muttukumaru, é membro do Conselho Acadêmico da Fide (com sede em Londres). Christopher é CB, DL e advogado. Consultor da Eversheds Sutherland (International) LLP. Ele foi membro da Monckton Chambers em Gray's Inn em Londres de 2014 a 2018. Ele foi membro do Conselho Geral do Departamento Britânico de Transporte, onde atuou como Conselheiro Jurídico Chefe de oito secretarias estaduais sucessivas de Transporte entre 2001 e 2013 No Conselho Geral também foi membro do Conselho Executivo do DfT.
A fotografia é um dos grandes passatempos de Christopher e, nesta ocasião, dá-nos a oportunidade de expor uma pequena colecção das suas fotografias que intitulou «Reflexões».
As imagens são em sua maioria paisagens de países aos quais ele tem estado intimamente associado, Austrália, Grã-Bretanha, França, Holanda e, claro, Espanha. Um tema constante de sua fotografia é ver o mundo refletido.
Christopher doará todos os fundos de qualquer venda dessas fotos para o *Fundação Balia*.
(*) Fundação que desde 2001 luta contra a pobreza infantil na Espanha através da educação. (www.fundacionbalia.org )

"Um telescópio acolhe uma lupa"

César Barrio

Fide, novembro de 2019 - janeiro de 2020. 

"Foi preciso perfurar a espessura da luz para começar a enxergar."
 Jose Angel Valente
 
“A minha forma de pintar é totalmente arqueológica. Como cavar nas estrelas. 
É curioso que quanto mais você desce na matéria, aumenta a escala do 
visão, como se fosse para abrir um túnel ou entrar em uma caverna, as imagens que ficam com você 
nas mãos, eles têm uma semelhança formal com as fotos que nos são enviadas por satélites.
Quanto mais peso ou densidade você introduz no objeto, mais leveza você produz nele. Longe e perto 
eles ficam confusos quando a matéria autoconsciente perde seu brilho. " 
César Barrio
 
César Barrio (Oviedo 1971) é um artista em meio de carreira com projeção internacional. A sua obra encontra-se, entre outras, em colecções de várias universidades e fundações e em colecções privadas em Espanha, Portugal, França, Itália, Áustria, Brasil, México e Peru. Expôs individualmente em cidades como Salzburgo, Lisboa, Madrid, Santander, Oviedo e Pamplona. Formado em arquitetura, ministra cursos e congressos como professor visitante em escolas de arquitetura. É um colaborador regular, como artista, em estúdios de arquitetura e em projetos heterogêneos com escritores, músicos e designers de moda.

Curadora: Elena Rodríguez Mayol

Do lado de dentro: a Sociedade Iraniana, uma visão e missão diferentes.

Javad Tafti Farashah.

Fide, setembro-outubro 2019

Nasceu em Karaj, Irã, em 1977.
Artista visual e cênica. Em diferentes períodos trabalhou em atuação cênica, fotografia e, desde 2015, documentários e curtas.
Faz múltiplas intervenções, destacando-se tanto na direção e montagem como na produção de documentários e curtas-metragens. Seus últimos trabalhos mais destacados giram em torno de projetos de obras civis, barragens e complexos executados nos últimos anos no Irã.
Desde 2011, faz visitas a vários locais da geografia iraniana e expõe em diferentes galerias nacionais da sua área os seus trabalhos fotográficos sobre o quotidiano da sociedade iraniana, bem como as paisagens que o rodeiam e nas quais se encontra. Assim, realiza um trabalho de investigação visual sobre os aspectos simbólicos da sociedade da qual faz parte, abrindo a sua obra para a interculturalidade.
A retrospectiva fotográfica cobre o noticiário social iraniano, acompanhada da paisagem natural e monumental persa, de grande beleza intrínseca.
Visualize a vivência diária das pessoas, especialmente as crianças (o futuro), a cultura local (visualizada no atual artesanato singular, o presente), e integre-os em um cenário onde os espaços monumentais ainda são válidos (o passado), permitem integrar o o grande e o pequeno, o singular com o particular, permitindo oferecer essa singularidade persa por dentro.
O objetivo principal desta exposição oferece, através de uma visão estritamente social, o descuido pessoal próximo e sem certas expectativas, oferecer a possibilidade de mudar o estereótipo de radicalismo social politizado da sociedade iraniana, mudando esse paradigma quando um país é visto de dentro , do ponto de vista do "outro" (o observado).

«Às vezes o sorriso de uma criança é tão doce que não se quer trocar aquele momento por nada no mundo. Este é o registro das fotos tiradas há um ano. A fotografia não é apenas um registro visual de pessoas, é a vida humana imortalizada, por nos trazer qualidades de felicidade, tristeza, esperança e emoções de todos os tipos. Existe uma conexão direta com a alma do fotógrafo. O valor desta profissão não é apenas um valor quantitativo e qualitativo, é muito mais, porque as pessoas, gestores de instituições e organizações, bem como o seu potencial humano, protegem projetos que viram, veem e verão um ambiente social que respira bem -ser para as pessoas, em uma reivindicação por justiça cósmica que atinge a parte infinitesimal de cada universo. "

Japonês

Gloria Esbert.

Fide, abril - setembro de 2019

Estudou Joalharia e Bijutaria na Escola de Artes e Ofícios de Mahón, onde teve a oportunidade de aprender todo o tipo de técnicas de pintura e modelação, mas só alguns anos mais tarde, e quase por acaso, começou a experimentar, brincar, transformar e modelar figuras com jornal.
Como o papel é um material orgânico, envelhece com o tempo e isso faz com que as figuras tenham vida própria. A artista não busca superfícies lisas ou polidas, mas sim a imperfeição que o papel oferece, pois lhes confere um apelo melancólico e cheio de sensibilidade.
O ser humano é sua fonte de inspiração pela complexidade de seus pensamentos e emoções. Tente capturar pequenos momentos de introspecção com gestos, cores e formas que transmitam um sentimento. São personagens de papel com um pouco de alma.
Seu estímulo criativo nasce do CHOQUE quando descobre quanta beleza se esconde atrás da tristeza, na velhice, no que está para morrer, no comportamento de alguns seres humanos diante da solidão ou da tragédia. Esses momentos em que "FEIO" e "BELEZA" se juntam.
Exposição JAPONÊS mostrados na Fide são inspirados em palavras japonesas que não têm tradução:
  • CONSCIENTE: "Sensibilidade de se comover e sentir melancolia ante a beleza do efêmero, aquela minúscula dor e a terna admiração que acompanham a flor de cerejeira quando murcha".
  • KIZUNA: "Sentimento coletivo, solidariedade e ajuda ao próximo, intrínseco aos japoneses diante de uma catástrofe." A artista comoveu-se com as imagens catastróficas do tsunami de 2011, mas ficou ainda mais comovida com a atitude do povo japonês diante das adversidades. Os gestos de solidariedade entre eles e a contínua gratidão pela ajuda recebida do estrangeiro comoveu-o profundamente.
 
EXPOSIÇÕES REALIZADAS:  
Exposição Individual: Galeria Artara, Maó 2015
Exposições coletivas:
Nit D'Art, Maó, julho de 2018  
Migjornale, Mitjorn, agosto de 2018.
figura gloria esbert art en fide

fantasy World

Agustín Martín Francés.

Fide, janeiro - abril 2019

Agustín Martín Francés (Madrid, 1959) é designer gráfico e fotógrafo. Doutor em Belas Artes pela Universidade Complutense de Madrid desde 1992. 

Professor de Design Gráfico na Faculdade de Belas Artes. Ele dá palestras sobre fotografia, design e arte digital. Realizou projetos gráficos e de design de espaço para diversas empresas e deu inúmeras conferências sobre fotografia, design e arte digital, embora sua carreira artística sempre tenha se centrado na imagem fotográfica, exibindo dentro e fora de nossas fronteiras.

Foi presidente da El Caballito, associação para a promoção da fotografia de autor e foi Coordenador da Licenciatura em Design da UCM, Diretor do Mestrado Oficial em Design da UCM e Diretor do Departamento de Design e Imagem da UCM .

fantasy World

A fotografia costuma ser considerada uma arte menor, embora inunde feiras de arte. Após o seu surgimento no século XIX, a fidelidade da imagem que proporciona trouxe consigo o surgimento das vanguardas artísticas, que procuraram transcender o realismo na Pintura. No entanto, a capacidade de captar num instante o vestígio de um acontecimento irrepetível, e sempre de um único ponto de vista pessoal, determinou a consideração deste método artístico, técnico, mecânico, concebido com um olhar humano e frio. e diligente. A fotografia encontrou assim um nicho de identidade pelo qual é reconhecida como documento autêntico ou como arte. 

No entanto, sempre houve artistas mestiços. David Hockney fez cubismo usando polaroids, Francis Bacon se fotografou em cabines fotográficas e Salvador Dalí colaborou com Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton ou Philippe Halsman. Muito antes, o próprio Caravaggio usou a câmera obscura, um dispositivo fotográfico, para criar suas pinturas magníficas. Por outro lado, existem também inúmeros mestiços, como os de Joel-Peter Witkin ou Lucas Samaras, que não hesitaram em trabalhar no suporte da imagem fotográfica. Desta forma, o realismo frio de uma fotografia é convertido em expressão calorosa, matéria tátil e paixão vulcânica.

As imagens de fantasy World eles estão em dívida com esses precedentes magníficos, eles investigam a expressão, a matéria, o mistério, o surrealismo e a paixão. A realidade sempre levanta uma dúvida existencial, ela apenas nos mostra o que não sentimos. No entanto, sentimos que há algo por trás dessa aparência, algo vivo que deve ser descoberto. É por isso que essas imagens resgatam e mostram a realidade iminente, interpretando-a sem acrescentar nada, apenas brincando para acordá-la, como soprar um anjo adormecido. fantasy World é um mundo pop, fantástico, misterioso e expressionista. Reflete o que pode ser mesmo que não pareça, a liberdade da forma, a expressão do inanimado. 

http://martinfrances.wixsite.com/liquidandmeltedworld

Testemunhas do invisível

Curra Rueda.

Fide, setembro - dezembro 2018

Curra Rueda (Madrid, 1971), pseudônimo de Cristina Rueda Núñez de Villavicencio, é uma elegante pintora em meio de carreira que ganhou diversos prêmios, como o Concurso Federal de Desenho anual Crestmond New Jersey (EUA), ou o Prêmio de Aquisição da Fundação Complutense.

Curra Rueda é licenciada em Belas Artes, com dupla especialização em Desenho e Pintura, e também em História da Arte, todos pela Universidade Complutense de Madrid. Bolsa Erasmus em Leeds (Grã-Bretanha), e estágio trabalhando no estúdio do renomado artista Cruz Novillo.

Ele expôs seu trabalho em exposições individuais e coletivas na Espanha e na Bélgica. Também participou de feiras de arte como ArtMadrid14 OneProjet (Madrid), Off Art Fair OAF13 (Bruxelas) e 2016 JustMad2016 (Madrid).

Paraísos Artificiais

Paula Anta.

Fide, agosto - setembro 2018

Paula Anta trabalha em série com base em argumentos que posteriormente desenvolve no local, na maioria dos casos, como encenações que, de forma instalativa, constroem a imagem final. A relação entre natureza e artificialidade juntamente com as estruturas criadas pelo homem, história e viagens configuram o percurso de sua obra, mas cabe destacar, principalmente, que a linha conceitual da obra de Anta se concentra em mostrar o significado de cada paisagem como um fato cultural em. em si.
 
A utilização de materiais que se configuram em zonas “tóxicas” pela sua composição, como tintas plásticas, aerossóis, PVC ou diversos tipos de plásticos, contrasta com a visão de uma paisagem cada vez mais desnaturada, que, através dos seus elementos (árvores , plantas, pedras) e a sua força de e para a sobrevivência, impõe-se nos diferentes locais escolhidos permitindo, desta forma, um diálogo interno.
 
Anta leva a natureza além de suas possibilidades reais, sem imposturas. As imagens criam situações possíveis a partir de uma paisagem ou de um espaço aparentemente espontâneo sem impor uma narrativa forçada.
 
O tratamento da natureza com os elementos negros baseia seu significado na relação que estabelece entre o preto e a luz. Preto é a cor que absorve a maior parte do espectro de luz que vemos e menos reflete. Em nossa cultura, a luz é o que dá existência aos objetos. Sem luz, eles desaparecem, tornam-se translúcidos aos nossos olhos. A existência da fotografia, desde as suas origens, também se deve à deposição de luz sobre uma superfície sensível. A não luz, a escuridão, o negro, origina o desaparecimento da realidade. Portanto, preto e luz é o contraste entre a natureza que desaparece, mas que, ao mesmo tempo, contém a soma do espectro luminoso. Como descreve Soulages, “o preto não é mais o instrumento, mas aquela luz secreta que surge do preto”. Ambos na série fotográfica Black Routes 2011, Hera 2012 ou L'architecture des arbres Em 2013, como nas instalações mais recentes, cria-se um discurso entre a existência e o desaparecimento da realidade (o elemento natural) que se destaca ao mesmo tempo que se dilui na profundidade absorvida do negro.

Paisagens no Discurso

Alex Barros.

Fide, abril - setembro de 2018

A mostra é composta pelas últimas criações deste jovem artista (1989), e está dividida em três séries diferenciadas:

Por um lado, Paisagens no Discurso É um conjunto de pinturas que nasceram de diferentes treinamentos (conferências, congressos, debates). Duas dessas paisagens foram pintadas na FIDE durante a sessão de Neuro-liderança realizada em 27 de fevereiro.

Caminhada no Miudiño é uma série em evolução contínua. Todas estas obras têm como tema central a Galiza, onde a luz e o som são factores importantes durante o processo de criação.

Finalmente, o ContraLUZ Series. Uma série de pequenas e delicadas peças pintadas sobre suportes escuros. O papelão e o aço servem de base para capturar momentos em que o céu e suas cores estão em transição irreprimível.

Alex Barros Atua como Diretor de Criação da consultoria Quid Qualitas. Ele é um especialista em imaginação e inovação na área de "Experiência do Cliente" e um especialista em programas de Co-Criação.

Licenciado em Belas Artes pela Faculdade de Belas Artes da UCM (Madrid), como artista plástico é autor de exposições colectivas e individuais em galerias de arte a nível nacional. Sua obra pictórica já faz parte de várias coleções particulares.

Lamentar

Antonio Guerra.

Fide, fevereiro - março de 2018

Antonio Guerra (Zamora 1983), artista visual que utiliza principalmente o meio fotográfico e a instalação para refletir sobre os processos de transformação da paisagem e nossa percepção dela através da imagem. A encenação fotográfica e a performance na natureza constituem o cerne de seu trabalho.

Recebeu inúmeros prêmios, incluindo a bolsa Pilar e Joan Miró Foundation para residência e participação na La Casa de Velázquez em Madrid, a bolsa Villalar Foundation Criação Artística, a bolsa MUSAC Artes Plásticas e o Prêmio Concurso Jovens Criadores.

O seu trabalho foi exposto individualmente em instituições e centros de arte contemporânea como o DA2 em Salamanca, a Sala del Teatro Calderón em Valladolid e o Centro Covado Photo em Sevilha, entre outros. Participa também em festivais de arte, como PhotoEspaña, Bienal de Artistas do Mediterrâneo na Itália e Grécia, Outono Fotográfica e Foto Noviembre Tenerife e em várias exposições coletivas na Espanha, Europa e América Latina.

“Mitate” acolhe uma criteriosa seleção da obra da artista, feita entre 2012 e 2016, onde podemos ver um diálogo entre a realidade e a ficção, a paisagem e a sua representação.

Marisa Ruiz-Zorrilla

Exposição Individual

Fide, janeiro - fevereiro 2018

Marisa Ruiz-Zorrilla (Madrid, 1955) é uma artista plástica que tem em seu crédito diversos prêmios, como a Medalha de Ouro da Academy Européenne des Arts de Paris, a Medalha de Honra do Prêmio BMW de Pintura na Espanha e a Medalha de Prata nos anos 40 Grande Prêmio Internacional da Bélgica.

Já expôs em vários países da Europa e nos Estados Unidos, algumas das cidades que acolheram as suas exposições são Madrid, Paris, Veneza, Gembloux e Nova Iorque.

Graduada em Filosofia pela Universidade Autônoma de Madrid, mergulha no estudo da Arte e da Psicanálise, impregnando sua criação artística com tudo isso. O seu processo criativo, marcado pela experimentação contínua, surge da inter-relação de campos artísticos e técnicas que funde até se dissolverem os seus limites, criando assim a representação plástica de uma ideia.

Esta exposição acolhe uma seleção criteriosa da obra do artista realizada entre 2007 e 2017, que gira em torno de dois fios comuns, a luz nas cidades e a desconstrução da natureza.

Geometria Ácida

Felipão.

Fide, novembro de 2017 - janeiro de 2018

Felipao é o nome artístico de Felipe Garcia-Bañon Sanz-Briz, um artista nascido por acaso no Marrocos que ao longo de sua vida, sendo filho e neto de diplomatas, morou em meio mundo, Emirados Árabes Unidos, França, Quênia, Nicarágua , Paquistão, ... esta vida cosmopolita e a exposição a diferentes culturas permitiram-lhe ter uma visão multifacetada do mundo.

Estabeleceu-se em Madrid em 1983. É licenciado em Economia e Negócios pelo ICADE, a sua vida profissional foi passada em multinacionais como Bristol-Myers, Telecinco, Repsol, etc.

Em 2009 decidiu fazer uma grande mudança na sua vida, a sua necessidade de comunicar as suas experiências, a sua visão e o que tinha sido a sua paixão até então, levou-o a abandonar o mundo das multinacionais e a dedicar-se totalmente à arte.

Ao longo desses anos expôs na Alemanha, Estados Unidos, Hong-Kong, México, Reino Unido, entre outros países, coletiva e individualmente. Realizou exposições públicas ("Podenco Dafne y Lucas" - Galeria PArt Ibiza). Suas obras estão em importantes coleções como as de Philippe Starck, do ex-presidente César Gaviria, da família Koplowitz e da família March, entre outros.

Colaborou em exposições e projetos artísticos específicos para marcas como MINI, Tag-Heuer, Glenfiddich, Beefeater, Ebay, Apodemia e Bulldog Gin.

Suas criações icônicas o posicionaram como um dos artistas pop mais reconhecidos da atualidade, considerado pelo ebay como “o artista pop do momento”. Suas esculturas são uma simbiose de arte, design e decoração.

Acaso

Ramón González de la Torre.

Fide, setembro - novembro de 2017

Atraído desde muito jovem pela arte em geral e pela fotografia, pintura e música em particular, aprendeu, quase sempre de forma autodidacta. Em 1989, fez suas primeiras ilustrações para publicações, após receber tutoriais de Ramón González Teja. Um ano mais tarde, comprou o seu primeiro Mac, após concluir o Mestrado em Gráficos e Multimédia na Faculdade de Informática da Universidade Politécnica de Madrid. A partir daí, ele combina aerografia com ilustração em sistemas gráficos digitais. 
Após 6 anos a trabalhar no estúdio gráfico Artefacto de Comunicación na área das embalagens, criou, em conjunto com Marta Huerta Bodas, a Contracorriente Estudio Gráfico. Um estudo com a filosofia de fazer as coisas de forma diferente. 
Sua relação com a tecnologia de edição de vídeo o levou a trabalhar como professor de artes gráficas, edição não linear e efeitos especiais na escola Seventh Ars Film and TV.

Arquitetura na Alma

Montse Clausells.

Fide, abril - julho de 2017

A palavra "arquiteto" deriva do latim "architectus" e vem da soma de duas palavras gregas antigas "archos" (guia) e "tekton" (construtor). O arquiteto é o "guia de construção" (o gerente do local). Arquitetura é definida como a arte e técnica de criar espaços físicos habitáveis.

Existe outra arquitetura que é essencial e intrínseca ao indivíduo. Refiro-me à arquitetura dos ambientes profundos e intangíveis que nos constituem como pessoas e determinam nossa relação conosco mesmos e com os outros. Cada um de nós concebe, projeta e constrói o espaço íntimo que habitamos. Conscientes ou não e através de uma complexa teia de elementos (experiências, pensamentos, sentimentos, emoções ...) somos o “guia”, o “gestor do local”, o arquitecto da nossa intimidade.

El linguagem artística Montse Clausells nos fala precisamente dessas linhas "secretas" essenciais que nos fazem funcionar como pessoas; os guias que embasam e dão sentido à nossa “cidade” interior. Cenários em que existem estruturas, tensões, balanços, pesos, pisos, diferentes superfícies, várias profundidades, aberturas e fechamentos…. O universo pictórico deste artista é o dessas paisagens não físicas ou abstratas, mas metafísicas: as paisagens da arquitetura da alma.

A primeira vez que vi uma obra de Montse Clausells, identifiquei as manchas coloridas, o branco, o preto, as névoas, as formas geométricas ... Mais tarde, na cor, descobri as camadas de pigmentos sobrepostos e os esmaltes ou transparências entre eles.; o branco deixou de ser tinta e se transformou em luz, assim como o preto em trevas; Eu senti as brumas como espaços vazios e formas geométricas como as linhas que os sustentam.

Essas camadas e vidrados me conectaram com o passar do tempo, com as etapas, com as rotas, com crescimento e desenvolvimento. Luz branca com energia, esperança e possibilidade de fluir. A escuridão dos negros com o “eu”: a força, o poder, a dureza, a robustez, a presença do “ego” que convive com a nebulosa volatilidade das inseguranças e com a rigidez e imobilidade da contenção linear.

Montse nos faz uma pergunta única e essencial que nos incentiva a introspecção, mas suas telas contêm uma infinidade de respostas; tantos quanto as individualidades que os contemplam. (…)

Mercedes Durban Monreal. Barcelona, ​​julho de 2016.

Coleção Los Bragales

Jaime Sordo.

Fide, outubro de 2016 - março de 2017

O objetivo desta exposição é desenvolver uma área de conhecimento da pintura espanhola. Moderno o início do século XNUMX e o desenvolvimento da arte contemporânea também espanhol (1960-2016) nos diversos suportes da pintura, fotografia, escultura e vídeo na visão de um colecionador particular que possui a Coleção Los Bragales.
 
A exposição será acompanhada por duas sessões (a primeira ocorreu em 18 de outubro e a segunda será em 24 de janeiro de 2017) com Jaime Sordo, que contribuirá com sua experiência de 40 anos colecionando Arte Moderna e Contemporânea
 
Embora as obras já possam ser vistas na sede da Fide, a mostra será inaugurada em 18 de outubro em que Jaime Sordo vai comentar sobre o CCaracterísticas do colecionismo privado na Arte Contemporânea. A sessão será realizada na Fide (Calle / Serrano, 26-4º à direita) das 14.00h16.30 às 30hXNUMX com um lanche informal nos primeiros XNUMX minutos.
 
Serão abordados os aspectos emocionais do colecionador privado, a parte apaixonada e o forte impacto emocional, a identificação genérica dos colecionadores e o valor essencial da arte serão analisados.
 
As opiniões que diferentes críticos e curadores têm sobre o colecionismo serão vistas a nível nacional e internacional.
 
Será feita uma descrição da Coleção Los Bragales e da composição de suas obras em seus diferentes suportes e serão descritas as primeiras 4 das oito exposições realizadas em centros institucionais, analisando as obras mais relevantes de cada exposição.
 
Durante a realização da exposição, as entidades colaboradoras da Fide terão a possibilidade de organizar visitas privadas para grupos fechados com um especialista em cobrança. Após um jantar frio, o grupo poderá conhecer de perto os detalhes desta coleção. A Fide oferece a oportunidade de desenvolver esta atividade em espanhol, inglês, francês e alemão.

PIPPO E PIPPA

Felipão.

Na Fide, assistimos à exposição das esculturas de Felipão até julho de 2016.
 

PIPPO o macho e PIPPA a fêmea são interpretados de várias maneiras para que cada um seja único (monotipia), alguns têm flores, outros uma frase, outros alguns desenhos pop, pedras semipreciosas… todos são assinados. Pippo e Pippa são feitos de resina de Felipão. 
POPPIS. Todas as obras são únicas, todas são numeradas e assinadas pelo autor, não há duas iguais, monotipias. A série é limitada, no final da série o molde é destruído. Todas as obras são pintadas à mão por Felipão utilizando diferentes técnicas dependendo do acabamento que pretende atingir. O nome genérico do mascote da série de cães-touros franceses é POPPI. A POPPI chega ao mundo com um certificado de adoção onde constam seu nome, seu dono e seu número de série. Cada POPPI tem um nome próprio, inspirado na sua decoração. O processo de produção é manual e artesanal, cada figura é extraída manualmente de um molde onde, anteriormente, é injetada a fibra de vidro, um material muito resistente que resiste a todos os tipos de clima. O resultado é uma figura com características muito reais, sólidas e compactas. Tamanho: As obras são em escala real (1: 1) ou seja, do tamanho de um touro francês adulto (aproximadamente 35cm de altura x 25cm de largura x 50cm de comprimento). Peso POPPI: 5 kg.

Herminia Infante

Fide, abril - maio 2016

Herminia começou desde muito jovem com seu gosto por captar a natureza entre os desenhos de seus filhos. Formou-se em Medicina e Cirurgia em 1981 e especializou-se em Medicina do Trabalho em 1983, actualmente a trabalhar na Área de Medicina do Trabalho do Serviço de Prevenção da Comunidade de Madrid e é a Directora Médica de Risco e Trabalho. O seu maior passatempo é a pintura e já expôs várias vezes em Madrid.
“Muitos bons desenhistas podem não atingir sua alma, se o desenho é perfeito ou não, não indica se a pintura é melhor ou pior. Sentimentalmente não podemos falar de técnica, quão difícil é se a pintura te faz se apaixonar por diga se tem técnica ou não foto que você notou. A natureza é perfeita? talvez, em seu funcionamento, mas em seu reflexo visual, seja tão perfeito ou imperfeito quanto aquele que o contempla. A natureza acima de tudo é caprichosa, muitas vezes fruto do acaso, caprichosa sim, mas é bela? Bem, depende do momento, aquele momento em que você se encontra, bonito ou não, é aquele que você vê, é a sua realidade, é a sua maneira de compreendê-la. Pois bem, essas pinturas são minhas, não refletem mais mundo do que aquele que eu inventei ”.  

Luis soares

Fide, abril - maio 2015

Luis Soares, a multidisciplinaridade de um criador expressionista simbolista.
Luis Soares é um pesquisador e criador nato. Pintor, escultor, gravador, artista de cartazes, artista gráfico e ceramista, sua obra se caracteriza por apresentar um marcado acento expressionista simbólico.
Natural de Moçambique, de ascendência portuguesa, actualmente radicado no país português e no nosso país, a sua grande produção artística e a sua vontade de saber têm projectado a sua criação a nível internacional, consolidando-se hoje como um grande artista de reconhecido prestígio e trabalho em importantes museus de Portugal. países diferentes.
Nesta exposição apresenta obras editadas em diferentes etapas, nas quais a sua ânsia de descobrir e experimentar, sempre com uma constante, o seu acentuado sotaque primitivista, a sua atribuição à representação simbólica de um tipo orgânico mas também de um profundo sotaque mistificador e divinizador é confirmado.
Luís Soares, pintor português, com alma africana e destino universal.

Consuelo Mencheta

Fide, abril - julho de 2015

“Na minha pintura procuro sempre paraísos. Uma mudança na vida me leva a residir na América Central. Descubro sua luz, sua vegetação exuberante, seu aroma tropical. Aves exóticas, flores deliciosas, frutas inebriantes e águas azul-turquesa me cercam. Vivo em uma eterna primavera, basta olhar para ela e traduzir em cores ”. Consuelo Mencheta.


Mais informações sobre a artista e seu trabalho podem ser encontradas em: http://mencheta.com/

Joaquín de Cárdenas y Cobián

Fide, janeiro - abril 2015

Desde os primeiros anos, ele praticou aquarela seguindo a tradição da família. Até 1993 prestou os seus serviços profissionais como economista no Setor da Construção e coordena e dirige cursos de pós-graduação para profissionais do setor imobiliário na Universidade Politécnica de Madrid, continuando a praticar a pintura como atividade de tempos livres. A partir dessa data, dedicou-se à aquarela em tempo integral e fez exposições contínuas em diversos locais da Espanha, França, Estados Unidos e México.
As suas paisagens abrangem uma grande variedade de assuntos, com uma clara preferência pelos recantos e assuntos marítimos do País Basco e da Cantábria.

 
Para mais informações sobre o artista e sua obra: http://www.joaquindecardenasacuarelas.wordpress.com

Eduardo laborde

Fide, outubro - dezembro 2014

A Fide expôs de outubro a dezembro de 2014 uma amostra da obra de Eduardo Laborde: “Em março de 2014 eu caminhava pelas ruas de Manhattan com a câmera na mão tentei visualizar o dinamismo e a atividade da cidade que tem sido o centro de referência nos últimos tempos. anos ".

Para mais informações sobre o artista e sua obra: http://www.EduardoLaborde.es

Monica Ridruejo

Fide, maio - setembro 2014

Fide apresentou uma seleção da obra de Monica Ridruejo, composta por pinturas a óleo, tinta sobre papel e esculturas.
Contraste a pintura a óleo em exposição com uma amostra da série Scrolls & Life, criações em contraponto de tamanhos mas unidas pela diversidade de cores na técnica de tinta sobre papel, recentemente pintada. A troca de perspectivas e a versatilidade na escala figurativa dão uma variedade interessante a esta amostra, e permitem uma melhor percepção do valor criativo do todo.
 
A obra de Monica Ridruejo já foi exibida em Espanha, vários países da Europa e Marrocos, estando presente em várias colecções privadas e galerias de museus internacionais.

Javier Ballester "Montesol"

Fide, setembro de 2013 - abril de 2014

“A pintura é um valor e um investimento, não é uma produção industrial, é o trabalho que um artista desenvolve ao longo da vida, talvez o último trabalho artesanal de uma sociedade industrial. Pinto a cidade onde moro, pinto os Touros e também algumas naturezas mortas. Pinto Madrid porque é uma forma de conhecê-la e amá-la, os touros porque é uma bela coreografia que transmite coisas profundas e a natureza morta porque é a intimidade e a solidão do pintor. Expor na Fide tem muito significado para mim, porque vou apresentar o meu trabalho a pessoas que amam o seu trabalho e que estruturam a existência através do trabalho e da aprendizagem contínua. Pessoalmente, é assim que entendo a pintura, um processo de trabalho e de conhecimento ”. 
Esta é a reflexão que o artista quis nos transmitir sobre sua exposição na Fide.

 
Verifique o trabalho em: http://www.javiermontesol.com

Intrusos

Alfredo Urdaci.

Fide, abril - setembro de 2013

Peças diversas, feitas com diferentes técnicas fotográficas que captam luz, ângulos, instantes, que surpreendem, chamam a atenção e nos aproximam da realidade e não tão perto, com um efeito quase magnético ... A maioria delas são feitas ao longo do tempo, a capturar o movimento dos galhos de uma árvore no mar da Tunísia, ou capturar o deslizamento de uma canoa a remo na lagoa do Retiro, em Madrid. São fotos de assuntos variados, algumas de viagens, outras tiradas no túnel de saída de um desfile, ou enquadradas na tradição da fotografia de rua, ou na paisagem. Podemos ver também diferentes técnicas de impressão, desde a preto e branco à impressão acrílica, que dá um brilho especial às cores de algumas faias no outono, num bosque do norte de Navarra.

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