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Fundación Fide

Un compromiso con el arte

Exposiciones

La relación con el arte nació del deseo de fortalecer los vínculos entre el arte, Fide y su entorno, partiendo de la convicción de que la sociedad del conocimiento, y por consiguiente la dinamización de la cultura, son hoy fundamentales. Atendiendo a las inquietudes culturales de los miembros de Fide, desarrollamos actividades vinculadas a la literatura, la música y otras áreas humanísticas.

Durante el año las paredes de Fide se cubren de obras de diferentes artistas.
Aquí puedes encontrar los artistas que han expuesto hasta el momento:

Publicaciones

Un arte que no se basa en el sentimiento no es arte

Paul Cézanne

Exposiciónes Virtuales

El arte no cambia nada, el arte te cambia a ti

David Lynch

La Mirada

Exposición Virtual de Maribel Gilsanz Otero

Posmodernidad o Sublimidad

Exposición Virtual de Ana Vivas

Exposiciónes Físicas

El objeto del arte es quitar el polvo de la vida diaria de nuestras almas

Pablo Picasso

REFLEJOS (Exposición Benéfica)

Christopher Muttukumaru

Fide, Enero 2020- Abril 2020

Christopher Muttukumaru, es miembro del Consejo Académico de Fide (afincado en Londres). Christopher es CB, DL y abogado. Consultor en Eversheds Sutherland (International) LLP. Ha sido miembro de Monckton Chambers en Gray’s Inn en Londres desde 2014 hasta 2018. Fue miembro del Consejo General para el Departamento de Transporte Británico donde actuó como Jefe Consejero Legal para ocho sucesivas Secretarías de Estado de Transporte entre el 2001 y el 2013. En el Consejo General también fue miembro de DfT Consejo Ejecutivo.
La fotografía es uno de los grandes hobbies de Christopher y, en esta ocasión, nos da la oportunidad de exhibir una pequeña colección de sus fotografías que ha titulado «Reflejos».
Las imágenes son en su mayoría paisajes de los países con los que ha estado estrechamente vinculado, Australia, Gran Bretaña, Francia, los Países Bajos y, por supuesto, España. Un tema constante de su fotografía es ver el mundo reflejado.
Christopher donará todos los fondos de cualquier venta de estas fotografías a la *Fundación Balia*.
(*)Fundación que desde el 2001 lucha contra la pobreza infantil en España a través de la educación. (www.fundacionbalia.org )

"Un telescopio acoge una lupa"

César Barrio

Fide, Noviembre 2019 – Enero 2020. 

“Era necesario taladrar el espesor de la luz para empezar a ver”.
 José Ángel Valente
 
“Mi forma de pintar es totalmente arqueológica. Como excavar en las estrellas. 
Es curioso que cuanto más desciendes al interior de la materia, aumentando la escala de la 
visión, como si se tratara de abrir un túnel o entrar en una cueva, las imágenes que se te quedan 
en las manos tienen una semejanza formal con las fotos que nos envían los satélites.
Cuanto más peso o densidad le introduces al objeto, más levedad produces en él. Lejos y cerca 
se confunden cuando la materia consciente de sí misma derrama su brillo.” 
César Barrio
 
César Barrio (Oviedo 1971) es un artista de media carrera con proyección internacional. Su obra está, entre otras, en las colecciones de diversas universidades y fundaciones y en colecciones privadas en España, Portugal, Francia, Italia, Austria, Brasil, México y Perú. Ha expuesto individualmente en ciudades como Salzburgo, Lisboa, Madrid, Santander, Oviedo y Pamplona. Licenciado en arquitectura, imparte cursos y conferencias como profesor invitado en escuelas de arquitectura. Es colaborador habitual, como artista, de estudios de arquitectura y en proyectos heterogéneos con escritores, músicos y diseñadores de moda.

Comisariado: Elena Rodríguez Mayol

Desde el interior: Sociedad Iraní, una visión y misión diferente.

Javad Tafti Farashah.

Fide, Septiembre-Octubre 2019

Nace en Karaj, Irán en 1977.
Artista visual y escénico. En diferentes periodos ha trabajado la actuación escénica, la fotografía y, desde 2015, los documentales y cortos.
Realiza múltiples intervenciones destacándose en la dirección y edición así como en la producción de documentales y films de corta duración. Sus últimas obras más destacadas giran en torno a proyectos de obra civil, presas y complejos realizados en los últimos años en Irán.
Desde 2011 realiza visitas a diversos lugares de la geografía iraní y expone en diferentes galerías nacionales de su ámbito el trabajo fotográfico acerca de la vida cotidiana de la sociedad iraní, así como los paisajes que le rodean y en los que se asiente. Así, realiza una labor visual de investigación acerca de los aspectos simbólicos de la sociedad de la que forma parte, abriendo su obra a la interculturalidad.
La retrospectiva fotográfica abarca la actualidad social iraní, acompasada con el paisaje natural y monumental persa, de gran belleza intrínseca.
Visualizar la vivencia diaria de las personas, especialmente los niños (el futuro), la cultura local (visualizada en la artesanía singular actual, el presente), e integrarlos en un escenario donde los espacios monumentales aún tienen vigencia (el pasado), permiten integrar lo grande y lo pequeño, lo singular con lo particular, permitiendo ofrecer esta singularidad persa desde dentro.
El objetivo principal de esta exposición ofrece, mediante una visión estrictamente social, el desenfado cercano, personal y sin expectativas ciertas, para ofrecer la posibilidad de cambiar el estereotipo de radicalidad social politizado de la sociedad iraní, cambiando dicho paradigma cuando se visualiza un país desde adentro, desde el punto de vista del “otro” (el observado).

«A veces la sonrisa de un niño es tan dulce que no estás dispuesto a cambiar ese momento por nada en el mundo. Este es el registro de las fotos tomadas hace ya un año. La fotografía no es solo una grabación visual de personas, es vida humana inmortalizada, al traernos cualidades de felicidad, tristeza, esperanza y emociones de todo tipo. Hay una conexión directa con el alma del fotógrafo . El valor de esta profesión no es solo un valor cuantitativo y cualitativo, es mucho mas, por que las personas, los gerentes de instituciones y organizaciones así como su potencial humano, amparan proyectos que han visto, ven y verán un ambiente social que respire bienestar para las personas, en un reclamo de justicia cósmica que llega a la infinitésima parte de cada universo.»

Japonesas

Gloria Esbert.

Fide, Abril – Septiembre 2019

Estudió Joyería y Bisutería en la Escuela de Artes y Oficios de Mahón, en la que tuvo la oportunidad de aprender todo tipo de técnicas pictóricas y de modelado, pero no fue hasta pasados unos años, y casi por casualidad, cuando empezó a experimentar, a jugar, a transformar y a modelar figuras con papel de periódico.
Al ser el papel un material orgánico envejece con el tiempo y esto hace que las figuras tengan vida propia. La artista no busca las superficies lisas ni pulidas, sino más bien la imperfección que ofrece el papel, ya les aporta un atractivo melancólico lleno de sensibilidad.
El ser humano es su fuente de inspiración por la complejidad de sus pensamientos y de sus emociones. Intenta captar con gestos, colores y formas pequeños instantes de introspección que trasmitan algún sentimiento. Son personajes de papel con un pedacito de alma.
Su estimulo creativo nace de la CONMOCIÓN  al descubrir cuanta belleza se esconde tras  la tristeza, tras  la vejez,  en lo que está a punto de morir, en el comportamiento de algunos seres humanos ante  la soledad o ante una tragedia. Esos  instantes en los que se unen la “FEALDAD” y la “BELLEZA”.
La exposición JAPONESAS que se muestra en Fide están inspiradas en palabras japonesas que no tienen traducción:
  • AWARE: “Sensibilidad de conmoverse y sentir melancolía ante la belleza de lo efímero, ese diminuto dolor y la tierna admiración que acompañan a la flor del cerezo cuando se marchita”.
  • KIZUNA: “Sentimiento colectivo, solidario y de ayuda al prójimo, intrínseco a  los japoneses ante una catástrofe”. La artista se sintió conmovida por las imágenes catastróficas del tsunami del 2011, pero todavía le conmovió más la actitud del pueblo japonés ante la adversidad. Los gestos de solidaridad entre ellos y el continuo agradecimiento por la ayuda recibida del exterior le emocionaron profundamente.
 
EXPOSICIONES REALIZADAS:  
Exposición Individual :  Galería Artara, Maó 2015
Exposiciones colectivas:
Nit D’Art, Maó ,Julio  2018  
Migjornale, Mitjorn, Agosto 2018.
figura gloria esbert arte en fide

Fantasy World

Agustín Martín Francés.

Fide, Enero – Abril 2019

Agustín Martín Francés (Madrid, 1959) es diseñador gráfico y fotógrafo. Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid desde 1992. 

Profesor de Diseño Gráfico en la Facultad de Bellas Artes. Imparte conferencias sobre fotografía, sobre diseño y sobre arte digital. Ha realizado proyectos de diseño gráfico y de espacios para distintas empresas y ha impartido numerosas conferencias sobre fotografía, sobre diseño y sobre arte digital, aunque su trayectoria artística siempre se ha centrado en la imagen fotográfica, exponiendo dentro y fuera de nuestras fronteras.

Fue presidente de El Caballito, asociación para el fomento de la fotografía de autor y ha sido Coordinador del Grado en Diseño por la UCM, Director del Master Oficial en Diseño de la UCM y Director del Departamento de Diseño e Imagen de la UCM.

Fantasy World

La Fotografía suele ser considerada un arte menor, aunque inunda las ferias de arte. Tras su aparición en el siglo XIX, la fidelidad de la imagen que proporciona trajo consigo el surgimiento de las vanguardias artísticas, que pretendían trascender al realismo en la Pintura. Sin embargo, la capacidad de recoger en un instante el rastro de un hecho irrepetible, y siempre desde un único punto de vista personal, ha determinado la consideración de este método artístico, técnico, mecánico, ideado al modo de mirar humano y a la vez frío y diligente. La Fotografía ha encontrado así un nicho de identidad por el que se la reconoce como documento auténtico o como arte. 

No obstante, siempre ha habido artistas mestizos. David Hockney hizo cubismo usando polaroids, Francis Bacon se fotografió en fotomatones y Salvador Dalí colaboró con Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton o Philippe Halsman. Mucho antes, el mismo Caravaggio empleó la cámara oscura, un ingenio fotográfico, para crear sus magníficos cuadros. Por otra parte, también hay innumerables mestizajes, como los de Joel-Peter Witkin o Lucas Samaras, que no han dudado en trabajar sobre el soporte de la imagen fotográfica. De este modo se convierte el frío realismo de una fotografía en cálida expresión, táctil materia y volcánica pasión.

Las imágenes de Fantasy World son deudoras de estos magníficos precedentes, indagan en la expresión, la materia, el misterio, el surrealismo y la pasión. La realidad siempre plantea una duda existencial, sólo nos muestra lo que no sentimos. Sin embargo, presentimos que hay algo detrás de esa apariencia, algo vivo que hay que descubrir. Por eso estas imágenes rescatan y muestran la realidad acechante, interpretándola sin añadir nada, tan solo jugando a despertala, como soplando a un ángel dormido. Fantasy World es un mundo pop, fantástico, misterioso y expresionista. Refleja aquello que puede ser aunque no lo parezca, la libertad de la forma, la expresión de lo inanimado. 

http://martinfrances.wixsite.com/liquidandmeltedworld

Testigos de lo invisible

Curra Rueda.

Fide, Septiembre – Diciembre 2018

Curra Rueda (Madrid, 1971), pseudónimo de Cristina Rueda Núñez de Villavicencio, es una elegante pintora de media carrera que ha sido galardonada con varios premios como el del Concurso anual de Dibujo Federal Crestmond New Jersey (EEUU), o el del Premio Adquisición Fundación Complutense.

Curra Rueda es licenciada en Bellas Artes, especialidad doble de Diseño y Pintura, y además licenciada en Historia del Arte, todo por la Universidad Complutense de Madrid. Beca Erasmus en Leeds (Gran Bretaña), y formación trabajando en el estudio del reputado artista Cruz Novillo.

Ha expuesto su obra en exposiciones individuales y colectivas en España y Bélgica. También ha participado en ferias de arte como ArtMadrid14 OneProjet (Madrid), Off Art Fair OAF13 (Bruselas), y 2016 JustMad2016 (Madrid).

Paraísos Artificiales

Paula Anta.

Fide, Agosto – Septiembre 2018

Paula Anta trabaja en series a partir de argumentos que luego desarrolla in situ, en la mayoría de las ocasiones, a modo escenificaciones que, de forma instalativa, construyen la imagen final. La relación entre la naturaleza y la artificialidad unida a las estructuras creadas por el hombre, la historia y el viaje configuran el camino de su obra pero principalmente se podría señalar, que la línea conceptual del trabajo de Anta se centra en mostrar el significado de cada paisaje como un hecho cultural en sí mismo.
 
El uso de materiales que se configuran en ámbitos “tóxicos” por su composición, como pinturas plásticas, aerosoles, pvc o diferentes tipos de plásticos, contrasta con la visión de una especie de paisaje cada vez más desnaturalizado, el cuál, a través de sus elementos (árboles, plantas, piedras) y de su fortaleza por y para la supervivencia, se impone en los diferentes emplazamientos escogidos permitiendo, de esta manera, un diálogo interno.
 
Anta lleva a la naturaleza más allá de sus posibilidades reales sin imposturas. Las imágenes crean situaciones posibles partiendo de un paisaje o de un espacio aparentemente espontáneo sin imponer una narrativa forzada.
 
El tratamiento de la naturaleza con elementos negros basa su significado en la relación que establece entre el color negro y la luz. El negro es el color que absorbe la mayor parte del espectro de la luz que vemos y refleja el mínimo de ésta. En nuestra cultura, la luz es la que otorga la existencia a los objetos. Sin luz, desaparecen, se vuelven translúcidos a nuestros ojos. La existencia de la fotografía desde sus orígenes, se debe igualmente a la deposición de luz sobre una superficie sensible. La no luz, la oscuridad, el negro, origina la desaparición de la realidad. Por tanto, negro y luz es la contraposición entre la naturaleza que desaparece pero que, al mismo tiempo, contiene la suma del espectro luminoso. Como describe Soulages “el negro ya no es el instrumento sino esa luz secreta surgida del negro”. Tanto en las series fotográficas Rutas Negras 2011, Edera 2012 o L’architecture des arbres 2013, como en las últimas instalaciones, se crea, de este modo, un discurso entre la existencia y la desaparición de la realidad (el elemento natural) que se destaca al mismo tiempo que se diluye en la profundidad absorbida del negro.

Paisajes en Discurso

Álex Barros.

Fide, Abril – Septiembre 2018

La muestra se compone de las últimas creaciones de este joven artista (1989), y se divide en tres series diferenciadas:

Por un lado, Paisajes en Discurso es un conjunto de pinturas que han nacido de distintas sesiones formativas (conferencias, congresos, debates). Dos de estos paisajes fueron pintados en FIDE durante la sesión de Neuroliderazgo llevada a cabo el pasado 27 de Febrero.

Un Andar Miudiño es una serie en continua evolución. Todas estas obras tienen Galicia como temática central, donde la luz y el sonido son factores importantes durante el proceso de creación.

Por último, la Serie ContraLUZ. Una serie de pequeñas y delicadas piezas pintadas sobre soportes oscuros. El cartón y el acero sirven de base para captar momentos en los que el cielo y sus colores están en irrefrenable transición.

Álex Barros trabaja como Director Creativo en la empresa de consultoría Quid Qualitas. Es especialista en imaginación e innovación en el ámbito de «Experiencia de Cliente» y experto en programas de Co-Creación.

Licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de la UCM (Madrid), como artista es autor de exposiciones colectivas e individuales en galerías de arte a nivel nacional. Su obra pictórica es ya parte de varias colecciones privadas.

Mitate

Antonio Guerra.

Fide, Febrero – Marzo 2018

Antonio Guerra (Zamora 1983), artista visual que utiliza principalmente el medio fotográfico y la instalación para reflexionar sobre los procesos de transformación del paisaje y nuestra percepción del mismo a través de la imagen. Escenificación y performance fotográficos en la naturaleza componen el núcleo de su trabajo.

Cuenta con numerosos reconocimientos, entre los que destacan la beca de la Fundación Pilar y Joan Miró de residencia y participación en La Casa de Velázquez de Madrid, la beca de Creación Artística Fundación Villalar, la beca Artes Plásticas MUSAC y el Premio del Certamen Jóvenes Creadores de Madrid.

Su obra ha sido expuesta individualmente en instituciones y centros de arte contemporáneo como el DA2 de Salamanca, la Sala del Teatro Calderón de Valladolid y el Centro Cobertura Photo de Sevilla, entre otros. Participa además en festivales de arte, como PhotoEspaña, la Bienal de Artistas del Mediterráneo en Italia y Grecia, Outono Fotográfico y Foto Noviembre Tenerife y en diversas exposiciones colectivas en España, Europa y Latino América.

“Mitate” alberga una cuidada selección de obra del artista, realizada entre los años 2012 y 2016, donde podemos ver un diálogo entre realidad y ficción, el paisaje y su representación.

Marisa Ruiz-Zorrilla

Exposición individual.

Fide, Enero – Febrero 2018

Marisa Ruiz-Zorrilla (Madrid, 1955) es una artista plástica que cuenta en su haber con numerosos premios, como la medalla de Oro de l´Académie Européenne des Arts en París, Medalla de Honor en el Premio BMW de Pintura en España y Medalla de Plata en el 40 Grand Prix International de Bélgica.

Ha expuesto en varios países en Europa y en EEUU, algunas de las ciudades que han albergado sus exposiciones son Madrid, París, Venezia, Gembloux y New York.

Licenciada en Filosofía por la Universidad Autónoma de Madrid, profundiza en el estudio del Arte y del Psicoanálisis impregnando con todo ello su creación plástica. Su proceso creativo, marcado por la continua experimentación, emerge de la interrelación de campos y técnicas artísticas que fusiona hasta la disolución de sus límites, creando así la representación plástica de una idea.

Esta exposición alberga una cuidada selección de obra de la artista realizada entre los años 2007 y 2017, girando alrededor de dos hilos conductores, la luz en las ciudades, y la deconstrucción de la naturaleza.

Geometria Acida

Felipao.

Fide, Noviembre 2017 – Enero 2018

Felipao es el nombre artístico de Felipe Garcia-Bañon Sanz-Briz, un artista nacido casualmente en Marruecos que a lo largo de su vida, por ser hijo y nieto de diplomáticos, ha vivido en medio mundo, Emiratos Árabes, Francia, Kenia, Nicaragua, Pakistán,… esta vida cosmopolita y la exposición a diferentes culturas le han permitido tener una visión poliédrica del mundo.

Se establece en Madrid en 1983. Licenciado en ciencias económicas y empresariales por ICADE, su  vida laboral transcurre  en multinacionales como Bristol-Myers, Telecinco, Repsol, etc.

En  2009 decide dar un gran cambio a su vida, su necesidad de comunicar sus experiencias, su visión y lo que había sido su pasión hasta entonces, le lleva a abandonar el mundo de la multinacional y dedicarse por completo al arte.

A lo largo de estos años ha expuesto en Alemania, Estados Unidos, Hong –Kong, Méjico, Reino Unido, entre otros países, de manera  colectiva e individual. Ha realizado exposiciones públicas (“Podenco Dafne y Lucas” – Galería PArt Ibiza). Sus obras se encuentran en importantes colecciones como las de Philippe Starck, el ex Presidente César Gaviria, la familia Koplowitz y la familia March, entre otros.

Ha colaborado en exposiciones y proyectos artísticos específicos para marcas como MINI, Tag- Heuer, Glenfiddich, Beefeater, Ebay, Apodemia y Bulldog Gin.

Sus icónicas creaciones le han posicionado como uno de los artistas pop más reconocidos en  la actualidad, considerado por ebay como “el artista Pop del momento”. Sus esculturas son una simbiosis de arte, diseño y decoración.

Serendipia

Ramón González de la Torre.

Fide, Septiembre – Noviembre 2017

Atraído desde pequeño por el arte en general y por la fotografía, la pintura y la música en particular, aprendió, casi siempre de forma autodidacta. En 1989, realiza sus primeras ilustraciones para publicaciones, después de recibir tutorías de Ramón González Teja. Un año después compra su primer Mac, tras realizar un Máster en Grafismo y Multimedia en la Facultad de Informática de la Universidad Politécnica de Madrid. A partir de entonces, combina la aerografía con la ilustración en sistemas gráficos digitales. 
Tras 6 años trabajando en el estudio gráfico Artefacto de Comunicación en el campo del packaging, crea, junto con Marta Huerta Bodas, Contracorriente Estudio Gráfico. Un estudio con la filosofía de hacer las cosas de una forma diferente. 
Su relación con la tecnología de edición de vídeo, le lleva a ejercer como profesor de grafismo, edición no lineal y efectos especiales en la escuela de Cine y TV Séptima Ars.

Arquitectura en el Alma

Montse Clausells.

Fide, Abril – Julio 2017

La palabra “arquitecto” deriva del latín “architectus” y proviene de la suma de dos antiguos vocablos griegos “archos” (guia) y “tekton” (constructor). El arquitecto es el “guía de la construcción” (el jefe de obra). La arquitectura se define como el arte y la técnica de crear espacios físicos habitables.

Existe otra arquitectura que es esencial e intrínseca al individuo. Me refiero a la arquitectura de las atmósferas profundas e intangibles que nos constituyen como personas y determinan nuestra relación con nosotros mismos y con los demás. Cada uno de nosotros ideamos, proyectamos y construimos el espacio íntimo que habitamos. Conscientes o no y a través de un complejo entramado de elementos (experiencias, pensamientos, sentimientos, emociones…) somos el “guía”, el “jefe de obra”, el arquitecto de nuestra intimidad.

El lenguaje artístico de Montse Clausells nos habla precisamente de esas líneas “secretas” esenciales que nos hacen funcionar como personas; las guías que fundamentan y dan sentido a nuestra “ciudad” interior. Escenarios en los que hay estructuras, tensiones, equilibrios, pesos, forjados, distintas superficies, varias profundidades, aberturas y cierres…. El universo pictórico de esta artista es el de estos paisajes no físicos ni abstractos sino metafísicos: los paisajes de la arquitectura del alma.

La primera vez que vi una obra de Montse Clausells identifiqué las manchas de color, el blanco, el negro, las nieblas, las formas geométricas….Después, en el color descubrí las capas de pigmentos superpuestos y las veladuras o transparencias entre unos y otros; el blanco dejó de ser pintura y se transformó en luz así como el negro en oscuridad; las brumas las intuí como espacios vacíos y las formas geométricas como las líneas que los sustentan.

Esas capas y veladuras me conectaron con el paso del tiempo, con las etapas, con los recorridos, con el crecimiento y el desarrollo. La luz blanca con la energía, la esperanza y la posibilidad de fluir. La oscuridad de los negros con el “Yo”: la fuerza, la potencia, la dureza, lo robusto, la presencia “ego” que convive con la volatilidad nebulosa de las inseguridades y con la rigidez y el inmovilismo de la contención lineal.

Montse nos formula una única pregunta, esencial, que nos anima a la introspección, pero sus lienzos contienen infinidad de respuestas; tantas como las individualidades que los contemplan. (…)

Mercedes Durban Monreal. Barcelona, Julio 2016.

Colección Los Bragales

Jaime Sordo.

Fide, Octubre 2016 – Marzo 2017

Con esta exposición se pretende desarrollar un área de conocimiento de  la  pintura española Moderna de inicio  de Siglo XX y el desarrollo de Arte Contemporáneo también español (1960-2016)  en los diferentes soportes de pintura, fotografía, escultura y Video dentro del visón de un coleccionista privado propietario de la Colección Los Bragales.
 
La exposición irá acompañada de dos sesiones  (la primera tuvo lugar el pasado 18 de octubre y la segunda será el 24 de enero de 2017) con Jaime Sordo, quien aportará su experiencia de 40 años coleccionando Arte Moderno y Contemporáneo
 
Aunque ya se pueden contemplar las obras en la sede de Fide, la exposición quedará inaugurada el 18 octubre, en la que Jaime Sordo comentará las Características del coleccionismo privado en el Arte Contemporáneo. La sesión se celebrará en Fide (Calle/ Serrano, 26-4ºderecha) de 14.00 a 16.30 con un tentempié informal en los primeros 30 minutos.
 
Se abordarán los aspectos emocionales del coleccionista privado, la parte pasional y el fuerte impacto emocional, se analizará la identificación genérica de los coleccionistas y lo relativo al valor esencial del arte.
 
Se verán las opiniones que sobre el coleccionismo tienen diferentes personalidades de la crítica y el comisariado en el ámbito nacional e internacional.
 
Se hará una descripción de la Colección Los Bragales y la composición de sus obras en sus diferentes soportes y se describirán las 4 primeras exposiciones de las ocho realizadas en centros institucionales analizando las obras de mayor relevancia de cada exposición.
 
Durante el tiempo que dure la exposición, se ofrecerá a las entidades colaboradoras de Fide la posibilidad de organizar visitas privadas para grupos cerrados con un experto en la colección. Tras una cena fría, el grupo podrá conocer los detalles de esta colección de una manera muy cercana. Fide ofrece la oportunidad de desarrollar esta actividad en español, inglés, francés y alemán.

PIPPO Y PIPPA

Felipao.

En Fide hemos disfrutado de la exposición de esculturas de Felipao hasta julio de 2016.
 

PIPPO el macho y PIPPA la hembra, son interpretados de varias maneras para que cada uno sea único (monotipos), unos llevan flores, otros una frase, otros unos dibujos pop, piedras semi-preciosas… todos están firmados. Pippo y Pippa están hechos en resina por Felipao. 
POPPIS. Todas las obras son únicas, todas están numeradas y firmadas por el autor, no hay dos iguales, monotipos. La serie es limitada, al finalizar la serie, el molde se destruye. Todas las obras son pintadas a mano por Felipao utilizando distintas técnicas en función del acabado que quiera conseguir. El nombre genérico de la mascota de la serie del bull-dog francés es POPPI. POPPI viene al mundo con un certificado de adopción donde figura su nombre el de su dueño y su número de serie. Cada POPPI tiene su nombre propio, inspirado en su decoración. El proceso de producción es manual y artesanal, cada figura se extrae manualmente de un molde donde, previamente, se inyecta fibra de vidrio, material muy resistente que aguanta en todo tipo de intemperie. El resultado es una figura con rasgos muy reales, sólida y compacta. Tamaño: Las obras son a escala real (1:1) es decir, del tamaño de un bull-dog francés adulto (aproximadamente 35cm de alto x 25cm de ancho x 50cm de largo). Peso de POPPI: 5 kg.

Herminia Infante

Fide, Abril – Mayo 2016

Herminia empezó desde bien pequeña con su afición por plasmar la naturaleza  entre sus dibujos infantiles. Se licencio en Medicina y Cirugía en 1981 y se especializo en Medicina del Trabajo en 1983, actualmente trabaja en el Área de Medicina del Trabajo del Servicio de Prevención de la Comunidad de Madrid y es Directora Médica de Riesgo y Trabajo. Su mayor afición es la pintura y ha expuesto su obra en Madrid en varias ocasiones.
“Muchos buenos dibujantes pueden no llegarte al alma, si el dibujo es perfecto o no, no indica si es mejor o peor el cuadro .Sentimentalmente no podemos hablar de técnica, que difícil es si el cuadro te enamora decir si tiene técnica o no aquel cuadro en el que te fijaste. ¿Es perfecta la naturaleza? quizá, en su funcionamiento, pero en su reflejo visual, es tan perfecta o imperfecta como el que la contempla. La naturaleza sobre todo es caprichosa, muchas veces fruto del azar, caprichosa sí, pero, ¿es bella? Pues depende del momento, aquel momento en el que te encuentras, bella o no es la que tú ves, es tu realidad, tu forma de entenderla. Bien pues esos son mis cuadros, no reflejan más mundo que el yo me he inventado”.  

Luis Soares

Fide, Abril – Mayo 2015

Luis Soares, la multidisciplinariedad de un creador expresionista simbolista.
Luis Soares, es un investigador y creador nato. Pintor, escultor, grabador, cartelista, grafista y ceramista, su obra se caracteriza por presentar un marcado acento expresionista simbólico.
Nacido en Mozambique, de ascendencia portuguesa, afincado actualmente en el país luso y en nuestro país, su gran producción artística y sus ansias de conocimiento han proyectado su creación a nivel internacional, consolidándose en la actualidad como un gran artista de reconocido prestigio y obra en museos significativos de distintos países.
En esta exposición presenta obra editada de diferentes etapas, en la que se constata su afán por descubrir y experimentar, siempre con una constante, su marcado acento primitivista, su adscripción a la representación simbólica de tipo orgánico pero también de profundo acento mitificador y deificador.
Luis Soares, un pintor portugués, de alma africana y destino universal.

Consuelo Mencheta

Fide, Abril – Julio 2015

“En mi pintura siempre ando buscando paraísos. Un giro de la vida me lleva a residir en Centroamérica. Descubro su luz, su vegetación exuberante, su aroma tropical. Me rodean aves exóticas, deliciosas flores, frutos que embriagan y aguas turquesas. Vivo en una eterna primavera, basta mirarla y traducirla a colores”. Consuelo Mencheta.


Más información sobre la artista y su obra la encuentras en: http://mencheta.com/

Joaquín de Cárdenas y Cobián

Fide, Enero – Abril 2015

Desde sus primeros años practica la acuarela siguiendo la tradición familiar. Hasta 1993 presta sus servicios profesionales como economista en el Sector de la Construcción y coordina y dirige cursos de postgrado para profesionales inmobiliarios en la Universidad Politécnica de Madrid, al tiempo que sigue practicando la pintura como actividad de tiempo libre. A partir de esa fecha se dedica a la acuarela a tiempo completo y realiza continuas exposiciones en diversos lugares de España, Francia, Estados Unidos y México.
Sus paisajes abarcan una amplia variedad de temas, con una clara preferencia por rincones y asuntos marineros del País Vasco y Cantabria.

 
Para más información del artista y su obra: http://www.joaquindecardenasacuarelas.wordpress.com

Eduardo Laborde

Fide, Octubre – Diciembre 2014

Fide expuso de octubre a diciembre de 2014 una muestra de la obra de Eduardo Laborde: “En marzo 2014 me encontraba caminando por las calles de Manhattan y cámara en mano trataba de visualizar el dinamismo y la actividad de la ciudad que ha sido el centro de referencia en los últimos años”.

Para más información del artista y su obra: http://www.EduardoLaborde.es

Mónica Ridruejo

Fide, Mayo – Septiembre 2014

Fide presentó una selección de la obra de Monica Ridruejo, compuesta por cuadros al óleo, obra en tinta sobre papel y esculturas.
Contrasta la pintura al óleo expuesta con una muestra de las series Scrolls & Life, creaciones en contrapunto de tamaños pero unidas por la diversidad de colores en técnica de tinta sobre papel, recientemente pintadas. El intercambio de perspectivas y la versatilidad en la escala figurativa otorgan una interesante variedad a esta muestra, y permiten percibir mejor el valor creativo del conjunto.
 
La obra de Monica Ridruejo ha sido exhibida en España, varios países europeos y Marruecos, y está presente en diversas colecciones privadas y galerías museísticas internacionales.

Javier Ballester "Montesol"

Fide, Septiembre 2013 – Abril 2014

“La pintura es un valor y una inversión, no es una producción industrial, es la obra que un artista desarrolla a lo largo de una vida, quizás el último trabajo artesanal en una sociedad industrial. Pinto la ciudad donde vivo, pinto los Toros y también algún bodegón. Pinto Madrid porque es una manera de conocerla y de paso amarla, los toros porque es una coreografía bella y que transmite cosas profundas  y el bodegón porque es la intimidad y la soledad del pintor. Exponer en Fide está lleno de sentido para mí, porque voy a presentar mi obra  a  personas que aman su trabajo  y  que vertebran la existencia a través del trabajo  y  el aprendizaje continuado. Personalmente es como entiendo la pintura,  un proceso de trabajo y conocimiento”. 
Esta es la reflexión que el artista ha querido transmitirnos sobre su exposición en Fide.

 
Consulta la obra en: http://www.javiermontesol.com

Intrusos

Alfredo Urdaci.

Fide, Abril – Septiembre 2013

Diversas piezas, realizadas con diferentes técnicas fotográficas que captan la luz, los ángulos, los instantes, que sorprenden, atrapan la mirada y nos acercan a realidades cercanas y no tan cercanas, con un efecto casi magnético….La mayor parte están realizadas con tiempos largos, para captar el movimiento de las ramas de un árbol sobre el mar de Túnez, o para captar el deslizarse de la piragua de un remero sobre el lago del Retiro, en Madrid. Son fotos de temas variados, algunas de viajes, otras tomadas en el túnel de salida de un desfile de modelos, o enmarcadas en la tradición de la fotografía callejera, o en el paisaje. Podemos ver así mismo técnicas de impresión distintas, desde el blanco y negro hasta la impresión en metacrilato, que da un brillo especial a los colores de unas hayas en otoño, en un bosque del norte de Navarra.

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